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Sábado 27 de abril, 20.00 h.
Espacio Ronda Madrid
Entrada 15 euros

La Orquesta Al-Qarawiyin, una formación excepcional dedicada a la interpretación de la música andalusí, una joya del patrimonio musical que evoca siglos de influencias culturales en la región de Al-Andalus. La Orquesta AlQarawiyin toma su nombre de la Universidad Al-Qarawiyyin, fundada por Fátima al-Fihrien el año 859 en Fez, Marruecos, considerada la primera universidad del mundo. La excelencia musical de la Orquesta AlQarawiyin se debe en gran parte a sus directores y fundadores, los maestros Husam Hamumi y Reda Bentaher. Ambos músicos son graduados de los prestigiosos Conservatorios de Música Andalusí de Fez y Tánger, donde se sumergieron en la rica tradición de esta música ancestral. A lo largo de los años, han acumulado una vasta experiencia en la interpretación y enseñanza del estilo andalusí. La música andalusí es una forma artística que floreció durante el período de Al-Andalus, donde musulmanes, judíos y cristianos coexistieron y contribuyeron a una cultura rica y diversa. La música andalusí es un testimonio vivo de este legado cultural y es reconocida por su emotividad, su virtuosismo y su capacidad para evocar una amplia gama de emociones.

La Orquesta Al-Qarawiyin tiene como misión preservar, promover y revitalizar la música andalusí. Nos esforzamos por compartir esta herencia musical única con audiencias de todo el mundo y contribuir al diálogo intercultural a través de nuestras actuaciones. El repertorio de la Orquesta AlQarawiyin abarca una amplia variedad de piezas tradicionales andalusíes, incluyendo composiciones de Al-Zirikly, IbnBayya, y otros maestros. Nuestra interpretación se basa en técnicas auténticas y el uso de instrumentos tradicionales, como el Oud, el Kanun, el violín, y la percusión, entre otros. La Orquesta AlQarawiyin ha tenido el honor de actuar en numerosos festivales, conciertos y eventos culturales en todo el mundo. Nuestro compromiso con la calidad artística y la autenticidad de nuestra música ha sido ampliamente reconocido por críticos y audiencias.

La Orquesta Al-Qarawiyin: Husam Hamumi, kanún – Reda Bentaher, violín – Ayoub Lahmiri, violín – Julia Chiner, violonchelo – Riad Addou, laúd – Mohammed Abbadi, darbuka – Abellah Afazaz, tar andalusí

Husam Hamumi, cantante multi-instrumentista nacido en la medina de Fez, Marruecos. Empezó sus estudios musicales desde muy joven en el conservatorio de la música clásica andalusí de Fez, al completar sus estudios en el mismo, se graduó con las máximas cualificaciones en los campos del canto andalusí y árabe, violín, historia y repertorio de la música andalusí, y de los modos árabes y andalusíes. Ha participado en varios festivales importantes y eventos en Europa y el mundo árabe. — Reda Bentaher, violinista de Tánger; terminó sus estudios en el conservatorio en edad muy temprana ; trabajó como profesor de violín en el conservatorio en su ciudad; y se convirtió al violinista principal del orquesta andalusí dirigida por el maestro Mohammed Briouel y la orquesta Láyala al Ándalus dirigida por el mismo; ha tenido varias actuaciones y participaciones en escenarios y festivales nacionales e internacionales, en Emiratos árabes, Bahréin, Israel, Qatar, Túnez, Argelia, España, Italia, Países Bajos y Francia. — Ayoub Lahmiri, violinista nacido en Fez; ha estudiado y graduado en el conservatorio de Fez especialidad violín clásico y árabe; desde entonces tuvo muchos certificados de participación en concursos de violín en Fez y Rabat. Desde entonces empezó a dedicar profesionalmente en varios festivales y eventos nacionales e internacionales; Marruecos España y Portugal.

Julia Chiner, doctora en Música por la Universidad Politécnica de Valencia y profesora titular de conservatorio por la especialidad de violoncelo y música de cámara. Multi-instrumentista, despliega su actividad profesional en marcos musicales muy distintos que incluyen desde la música antigua medieval hasta la composición para instalaciones multimedia. Como violonchelista ha colaborado con artistas y agrupaciones en producciones de distinto formato, entre los que figuran sus interpretaciones en ámbito de música árabe y andalusí con orquesta Al Makam en festivales nacionales e internacionales (Festival Tres Culturas Murcia, MAG Granada, Wonderland festival Ámsterdam entre otros). — Riad Addou, laudista nació en Oran Argelia; recibió sus estudios de música en la asociación (el andalusia) en el conservatorio de Sidi Bel Abbes en 2007 a la edad de 5 años; Riad obtuvo su certificado de sexto grado en 2012 durante todo este período participó en más de 100 conciertos con la orquesta regional de música andalusí; a su llegada a España en 2020 tuvo la oportunidad de tocar en eventos y conciertos en (valencia, Toledo, Salou, Zaragoza y Madrid y Portugal).

Mohammed Abbadi, percusionista nació en Fez marruecos; empezó sus estudios en el conservatorio en muy temprana edad; termino sus estudios en 2015; en 2016 empezó su trabajo como profesor de percusión en el conservatorio privado en Fez, y participo en varios festivales y eventos en Marruecos, España y Portugal. — Abdellah Afazaz, percusionista y laudista de Tetuán; ha estudiado 8 años de música clásica andalusí en paralelo con la música clásica árabe de la música clásica; tuvo varias participaciones con orquestas como Chabab Tetuán; también trabajando como músico profesional en eventos y festivales de la música andalusí y medieval en marruecos y España y Alemania. En España ha establecido y tuvo por igual varias participaciones con grupos de flamenco y música española como la cantaora Lole; grupo étnico Transanabian; Grupo Raibani, entre otros.

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Domingo 28 de abril, 12:30hrs
Entrada 12 euros
Espacio Ronda Madrid

Marisa Manchado Torres, compositora y pianista (Real Conservatorio Superior de Música de Madrid);  licenciada en Psicología (UCM-UP-Comillas), Maîtrise y DEA en Ciencias de la Música -Composición asistida por  ordenador- (Université París VIII-Saint Denis); investigadora y divulgadora en temas que relacionan música, mujeres y feminismo; Doctora en Musicología (UCM).

Vicedirectora del Conservatorio “Teresa Berganza” de Madrid hasta 2017, centro del cual fue docente desde 1997. Profesora asociada en la Facultad de Educación de la Universidad Autónoma de Madrid (2001-2004).

Subdirectora General de Música y Danza del INAEM-Ministerio de Cultura (2007-2008).

Colaboradora de RNE-Radio Dos (actual Radio Clásica) con el programa  “Mujeres en la música” (1982-1983). Compiladora del primer libro en España que relaciona la investigación musical y la teoría feminista (Música y mujeres, género y poder, Madrid, Editorial horas y Horas (1998) y nueva edición en 2019, Madrid, Editorial Ménades).

Ana Vega-Toscano, Doctora en Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura por la Universidad Autónoma de Madrid y  Premio Fin de Carrera por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde cursó estudios de Piano, Órgano, Composición y Musicología, es  licenciada en Ciencias de la Información (Rama de Periodismo) y en Geografía e Historia, por la Universidad Complutense de Madrid. Es además Diplomada en Comunicación Audiovisual por el Instituto Oficial de Radiotelevisión Española y D.E.A (Diploma de Estudios Avanzados) en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid.

Amplió su formación  musical con cursos de especialización en Música Electroacústica en el LIEM-CDMC del INAEM (Ministerio de Cultura), Canto Gregoriano en el Monasterio de Santo Domingo de Silos, Arqueología Musical Iberoamericana en el Museo de América, entre otros. Perfeccionó sus estudios de piano con Agustina Pallaviccini y Pedro Espinosa, de técnica vocal con Jorge Uribe y de repertorio vocal con Miguel Zanetti.  Completó su formación escénica con  danza, que inició en   el estudio de danza española de  la compañía de Pilar de Oro y Alfredo Gil, para   pronto centrarse  en la especialidad de baile flamenco en la escuela de Amor de Dios y la Fundación Casa Patas. Más tarde se acercó a la antropología de la danza con cursos de danza étnico-contemporánea en el espacio Fusión-Art y con la bailarina  persa Banafsheh Sayyad.

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Domingo 28 de abril, 18.00
Espacio Ronda Madrid
Entrada 12 euros

La música escrita para cello solo tiene el fascinante poder de conectar estrechamente con la audiencia, dada su calidad y las historias que hay detrás de ella. Partiendo del legado de Bach, este concierto discursado analiza las suites de varios autores posteriores a él, sus similitudes y particularidades. Participen en esta experiencia en la que escucharán la música de un modo diferente, en primera persona, entendiendo su significado y conociendo su Historia.

Javier González, cello
El trabajo del violonchelista Javier González cubre desde grabaciones modernas en Abbey Road hasta concertos en la BBC, New Generation Baroque. Graduado y becado con Distinción en el Royal College of Music de Londres (Artist Diploma) Javier también ha estudiado en el Guildhall School of Music and Drama, el Koninklijk Conservatorium de La Haya, Holanda, el COSCYL de Salamanca. Ha actuado como solista, músico de cámara y de orquesta en el Amarillys Fleming Concert Hall, Barbican Centre, Cadogan Hall, Wigmore Hall, St John Smith Square, Koncerthaus, Laizhalle, Doelen, Tivoli o Auditorio Nacional de Música entre otros. Durante su estancia en Londres, ha tocado distintos instrumentos cedidos por GSMD, Bridgewood and Neizert y Florian Leonhard, destacando especialmente el último, un W. Foster II de 1804 que solía tocar Su Alteza Real, Carlos III de Windsor, mientras estudiaba en el Royal College of Music. Actualmente, enseña de manera privada, da conciertos por todo el país y amplía su formación con un grado de musicología en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Programa de concierto:
1 Bach y la suite como forma musical histórica. La literatura temprana del violonchelo
Suite N.1 en Sol Mayor BWV 1007 de J. S. Bach, 1721
Prelude – Allemande – Courante – Sarabande – Minuets – Gigue

2 Reger, pasión por la tradición
Suite N. 1 en Sol Mayor, Op.131c de Max Reger, 1915
Praeludium – Adagio – Fuge

3 El re-descubrimento de Casals y el Nacionalismo musical de Cassadó
Suite para Violonchelo de Gaspar Cassadó, 1920
Preludio-Fanstasía – Sardana – Intermezzo e Danza Finale

4 Ernest Bloch y la influencia de las Escrituras en su música
Suite No. 1 en do menor para cello solo B. 93 de Ernest Bloch, 1956
Prelude – Allegro – Canzona – Alegro

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Sábado 4 de mayo, 18:00 h
Espacio Ronda Madrid
Entrada 12 euros

Sahana Sridhar es bailarina y maestra de Bharatanatyam basada en Londres. Comienza su estudio de Bharatanatyam con Smt. Shankari Balasubramaniam, Guru Udupi Laxminarayan y después durante muchos años con el duo Renjith Babu y Vijna Vasudeva. También estudia canto carnático y pintura desde muy joven.

Ha actuado en teatros y festivales de danza en Europa, India y los Estados Unidos como solista y en las compañías de Jiva Performing Arts en Nueva York, Kalasagara en Inglaterra, y  Saraswatham Foundation en Chennai India, donde también ha formado parte del elenco docente. Ha sido premiada con el título Nrithavilasin por la organización Nrithyathi Kalakshetram en Bhilai en 2015 y Natya Ratna por Trinity Fine Arts en Chennai en 2023.  Sigue perfeccionando su arte con Mavin Khoo, asistente de Akram Khan en Londres. Sahana también está licenciada en Arquitectura con un Másteres combinado en Arquitectura y Diseño urbano, y siente que sus estudios en diseño influyen y enriquecen su danza.

Sahana presentará piezas del repertorio tradicional de Bharatanatyam, composiciones antiguas y más modernas, que combinan movimientos dinámicos y ritmos complejos con piezas de narrativa celebrando los dioses de la mitología hindú, historias de devoción y deseo que pasan por todas las emociones.

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Sábado 4 de mayo, 20:30h
Entrada 12 euros
Espacio Ronda Madrid

Este grupo de música y danza es una vibrante fusión de tradiciones sufí y orientales, que abarcan influencias tanto árabes como turcas. Compuesto por talentosos músicos orientales especializados en estos estilos musicales, el grupo ofrece una cautivadora experiencia que recorre un viaje cultural desde Turquía hasta Marruecos. A través de su música y danza, exploran la rica historia musical y folclórica de estas regiones, transportando al público a épocas pasadas.

Los instrumentos tradicionales que emplean, como el Laúd árabe, la flauta Ney, la Zurna turca, la percusión árabe con darbuka y Daf, son piezas fundamentales que otorgan autenticidad a su sonido. Además, el grupo se distingue por la cuidadosa selección de vestimenta tradicional, que contribuye a recrear la atmósfera de épocas antiguas y realza la experiencia visual para el espectador.

Entre las destacadas expresiones de su repertorio se encuentran el hipnótico baile del giro derviche sufí y la elegante danza de vientre oriental, elementos que enriquecen aún más su presentación y ofrecen una visión completa de la rica diversidad cultural de la región. En resumen, este grupo no solo entretiene, sino que también educa y celebra la riqueza cultural y musical del mundo oriental, llevando al público en un emocionante viaje a través del tiempo y el espacio.

Husam Hamumi músico graduado en el conservatorio de la música andalusí de Fez marruecos; su instrumento principal es “el Kanun” instrumento de cuerdas turco y árabe, y también el Ney flautas turcas y kawala flauta árabe. Tuvo la oportunidad de tocar varios tipos de música árabe andalusí y turca; participando en muchos festivales y eventos nacionales e internacionales como: Festival de la música sacra 2012 de Fez marruecos ;Festival “les nuit d’orient” Dijon Francia ;festival “al mutamid” Portugal; festival “folk” Zaragoza España ;festival gent Bélgica; festival música sefardita Budapest Hungría; y varios eventos y conciertos en España y fuera de España.

Riad Addou laudista nació en Oran Argelia; recibió sus Estudios de música en la asociación (elandalusia) en el conservatorio de sidi bel abbes en 2007 a la edad de 5 años;Riad obtuvo su certificado de sexto grado en 2012 durante todo este período participó en más de 100 conciertos con la orquesta regional de música andalusi; a su llegada a España en 2020 tuvo la oportunidad de tocar en eventos y conciertos en (valencia, Toledo, Salou, Zaragoza y Madrid y Portugal)

Elyar Pashang es un multi-percusionista profesional, turco-Iraní afincado en Madrid, España. Estudió en Tabriz (Irán) en la escuela de música del Maestro Eyyub Pashang, y se especializó en el Nagara, tocando música folklórica de Azerbaiyán, así como también Darbuka y Daf. Posteriormente en el 2021 empezó a estudiar el Handpan, instrumento con el ha viajado para participar en varios festivales alrededor del país del continente europeo.

Neftis Paloma, experta en lenguaje del movimiento. Profesora, coreógrafa y bailarina profesional de danzas del mundo, desde la danza oriental y tribal hasta el Giro Sufi. Titulada en Ballet Clásico por la “Royal Academy of Dancing” de Londres, Conservatorio de Danza de Madrid y Danza Española. A los dos años se puso sus primeras zapatillas en la academia de danza de su madre, ampliando sus conocimientos en clásico, danza española, flamenco, moderno, bailes de salón, latinos y jazz. Colaboración en el documental “Voces contra el Silencio” y el videoclip de la cantante Mira Awad “Bukran”.

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Concierto de música india
Jueves 9 de mayo, 21:00hrs
Entrada 12 euros

Sougata Roychowdhury es uno de los músicos más talentosos de su generación. Sougata comenzó a tocar el sarod a la edad de diez años con Ustad Dyanesh Khan, quien lo heredó de su abuelo, el gran maestro Ustad Allaudin Khan, y de su padre, el famoso intérprete de sarod Ustad Ali Akbar Khan, que estaba con Pandit Ravi Shankar. Recibió una beca de música instrumental clásica indostánica del Departamento de Cultura del Gobierno de la India. La ‘All India Radio’ lo ubica entre los mejores artistas de la escena contemporánea (A Grade All India radio Artist). Desde el año 2000, Sougata también ha actuado regularmente en Europa y Norteamérica. Ha dado prestigiosos conciertos en Francia, en particular en el Museo Nacional de Artes Asiáticas Guimet de París, el Gran Auditorio del Musée des Confluences, la Cité de la Musique de Marsella, el Festival de la India en Lille y el festival Immaterial de la ópera de Évora, Portugal.

Nihar Mehta proviene de una de las familias de filósofos y músicos más importantes de la India durante varias generaciones. Es un artista aprobado por el Gobierno de la India y Gujarat desde 1996 en la disciplina de Música Clásica India. Radicado en Francia desde 2003, ha actuado en prestigiosas salas y programas de Europa como la Filarmónica de París, la Scène nationale de Boulogne Bilancourt y en Nantes., Auditorio del Museo Nacional de Artes Asiáticas de París, Niza, Zurich, Milán. , Lecce, Museo Nacional de Etnología de Leiden y participó en el programa de inauguración del Museo de las Confluencias. Ha colaborado con fundaciones como Alain Danielou, Girogio Cini, Europea del Disegno y grandes músicos de India, Europa y Estados Unidos como los maestros legendarios Zakir Hussain, Jordi Savall, George Brooks, Krishna Bhatt, Terry Riley, Shujaat Khan, Shahid Parvez. , Sabir Khan, los hermanos Rajan-Sajan Mishra y el ganador del premio Grammy V.M Bhatt, por nombrar algunos.

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Domingo 12 de mayo, 18:00 h
Espacio Ronda Madrid – Sala Azul
Aportación 15 euros – Interesados hacer una reserva de 5 euros por bizum
Reservas 618 155 896 (Álvaro)

Un Concierto de Meditación es un viaje de Autoconocimiento, una forma de explorar tu conciencia, tu cuerpo y tu energía a través de los sonidos de instrumentos sanadores (cuencos, pirámides y panderos de cuarzo, hang, cantos armónicos.
Nos permite conectar a través de la música con nuestro Alma y vibrar en sintonía para activar ese potencial, empoderamiento con nuestra esencia. Tiene la intención de poder expresar tu gratitud, tu propósito y tu deseo de transformación.
Los beneficios de un concierto de meditación son equilibrar, armonizar tu cuerpo físico, mental y espiritual, esto se consigue:
• Reduciendo el estrés y la ansiedad al inducir en un estado de relajación profunda.
• Mejorando el sueño y el descanso al equilibrar el sistema nervioso y el ritmo cardiaco.
• Aumentando la creatividad y la intuición al estimular el hemisferio derecho del cerebro.
• Armonizando los chakras y el campo energético al generar vibraciones que resuenan con el cuerpo.
• Despertando la conciencia y la conexión al facilitar el acceso a estados alterados de percepción.
• Favoreciendo la sanción y la liberación al movilizar las emociones y los bloqueos.
• Potenciando el propósito y la manifestación al alinear la intención y la acción.

Un Concierto de Meditación es una oportunidad para conectar con tu Alma, vibrar con la frecuencia del amor, la alegría y la paz.
¿Te animas a probarlo? Únete a este viaje.
Reenvía esta Maravillosa Meditación a tus Amig@s. Gracias

Álvaro Robles (cuencos y pirámides de cuarzo, cantos armónicos y hang). Desde el año 2005 realiza conciertos, meditaciones, sesiones terapéuticas, formaciones, talleres y cursos en los que se pueden escuchar sonidos que nacen de la propia voz cantos armónicos y cuencos y pirámides de cuarzo, hang y de múltiples instrumentos. Tiene editados 7 CDS como Compositor e Intérprete. A lo largo de su trayectoria, Álvaro Robles ha colaborado con diversos artistas y terapeutas y participado en numerosos proyectos como, Encuentros Internacionales de la Ecología del Agua Expo Zaragoza, varios espectáculos de la compañía La Fábrica de Sueños, Diafanum, Espectáculo “Flamenco Libre” de la compañía de María Carrasco, Festival el Poder Místico y Curativo del Sonido de Zaragoza, Festival AUM de La Coruña, Festival AlanisArte de Sevilla y Espacio Ronda en Madrid. Más información: https://www.alvarorobles.es

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Domingo 12 de mayo, 19:30 h
Espacio Ronda Madrid
Entrada 15 euros

Dos magníficas voces, Anna Tsilidi y Radojka (Haroula) Rapaic –acompañadas al piano por Pedro Mariné– nos traen una visión directa, íntima y desenfadada de canciones griegas del s.XX de grandes autores populares como Theodorakis, Hadjidakis, Xarhakos, Tsitsanis…

Melodías que nos suenan muy próximas porque han navegado hasta nuestras costas en un permanente viaje a través de las olas del Mediterráneo.

Anna Tsilidi es una cantante griega recientemente llegada a España. Domina la técnica clásica pero se interesa también por la rica producción de la canciones griegas de tono popular compuestas por grandes compositores del s.XX

Radojka (Haroula) Rapaic es una cantante originaria de Croacia afincada en España desde hace más de veinte años.
Enamorada de la música popular de los Balcanes, esta cantante y acordeonista ha participado en el grupo Sudbá y actualmente forma parte del grupo de música griega Kafé Meraki.

Pedro Mariné, profesor de conservatorio y concertista, es un pianista de larga trayectoria en el circuito madrileño. Ha colaborado con muchos y variados grupos como la Mahou Litros Band, Desakato Dadá, Afrobrass, Las Lavanderas, La Discreta Academia, Dúo MADOM o Isla Mandarina

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Miércoles 15 de mayo, 19.30 h.
Espacio Ronda Madrid
Entrada 12 euros

Un recital de Dhrupad comienza con el despliegue lento de la Raga o composición que tiene partes no estructuradas (anibaddha) y estructuradas (nibaddha). Las notas musicales se pronuncian a través de vocales derivadas del canto sánscrito 'Hari Om Anant Narayan'. Aunque, predominantemente de naturaleza espiritual y religiosa, muchos de los cantos tratan sobre valores humanos, filosofía de vida, naturaleza y yoga también. Un tema culmina con upaj o improvisación donde los artistas intercambian aportaciones musicales espontáneas alejándose de la estructura fija de la composición, improvisando melódica, rítmica y emocionalmente, pero manteniéndose dentro de los límites melódicos y rítmicos de la Raga y Tala.

Dr. Sumeet Anand Pandey es uno de los cantantes de Dhrupad más prometedores de la Indiadentro de la tradición Darbhanga, siguiendo el modelo de iniciación (alap), composición (pada) e improvisación (upaj). Sumeet obtenido muchos premios de reputadas organizaciones y recibido becas del Ministerio de Cultura (Gobierno de India) y Sahitya Kala Parishad (Gobierno de Delhi) para seguir con sus investigaciones sobre el Dhrupad. Sus conciertos y clases han sido retransmitidas por All India Radio (A.I.R) Nueva Delhi y es invitado regularmente a recitales en festivales de música en toda la India. Tambien ha tenido recitales de Dhrupad muchas veces en Berlín, La Haya, Londres, Praga, Budapest y París. Lanzó su álbum debut titulado Morning Meditation: Dhrupad of Darbhanga Tradition en Naxos World en el 2020.

Jorge Lozano es un músico multi-instrumentista y compositor formado en guitarra y percusión clásica en el aula de música de Madrid y neo percusión y con los Profesores Ramón Montoya, Entri y Juan Sánchez, en el área de la guitarra, Juanjo Guillém en el área de la percusión clásica y Nantha Kumar, Serguei Sapricheff y David Mayoral en el área de la percusión étnica. Su inquietud le lleva a viajar por diversos países como Marruecos, Egipto, Turquía y especialmente India, para aprender esas músicas en sus orígenes y tradiciones, especializándose en instrumentos como el Oud árabe, la percusión oriental, la Tabla India, el Pakhawaj, el Ghatam, la Kanjira y el Naggara, especialmente en el ámbito del ritmo y los instrumentos de percusión de la India. Trabaja en numerosos espectáculos con músicos de máximo nivel en España e India, como Javier Paxariño, Ara Malikian, Pandit Sougata Roy Choudry, Pandit Baluji Sivarastav, Pandit Ashok Patak, T.H. Vikku Vinayakram, Selva Ganesh, Uma Shankar, Natuji Lal Mirshra, Russil Paul, Andrés Olaegui, Flaco Barral, Wafir Sheik, Ivo y Nasco Hristov, Juan Carlos Aracil, Ido Segal, diversos integrantes del grupo Radio Tarifa y de la familia Vinayakram en India, entre otros muchos.

Viernes 17 de mayo, 20:00 h
Espacio Ronda Madrid
Entrada libre hasta completar aforo

Intervendrán: Lola Gálvez (piano), Paula Cabaleiro (imágenes) y Toni García (voz).

Corazón florecido es un poema visual, la imagen en movimiento del latir de un cuerpo, concentrado en la representación que de él hace la pintora Paula Cabaleiro, en el relato escrito que realiza Toni García a partir de su proceso de trabajo, y musicado por la pianista Lola Gálvez.

El poemario publicado por la editorial Guiverny se organiza a través de un conjunto de imágenes, dialogando con la expresión de vida que contienen, creando una narrativa en la que varía el espacio físico, temporal y emocional de una persona enfrentada consigo misma, en un viaje reparador que afronta distintos estados de ánimo, dónde se refleja la lucha entre convivir con la tristeza y convertirla en optimismo.