Con Ananda Sananda:
Alicia Sánchez Montalbán, Canalizadora, conferenciante y escritora
Víctor Polo, Tercer finalista de Operación Triunfo 2005 y autor de canciones canalizadas y música de alta vibración, creada en conexión con Seres de Luz.

Jueves 19 de mayo, 20:00 horas

Espacio Ronda Madrid – Sala Blanca

Entrada 30 euros – Se recomienda adquirir la entrada con antelación

Durante el concierto se producirá una conexión consciente y profunda con Seres de Luz de alta vibración. El objetivo es que experimentes un cambio de vibración que te ayude a sentirte renovado, así como a escuchar a tu alma y a tus guías espirituales.

Canciones canalizadas, música de alta vibración acompañando mensajes canalizados, que generarán el efecto de una meditación.

Después del concierto, Alicia canalizará las dedicatorias de sus libros canalizados.

Víctor Polo es músico: cantante, autor, guitarrista y pianista. Canaliza sus canciones en conexión con Seres de Luz de alta vibración que le inspiran las letras y las melodías. Sus canciones generan un efecto sanador y elevador. Escucharle cantar en directo es una experiencia impactante. Víctor posee magia en la voz, algo que sin duda detectaron los responsables del programa de televisión, Operación Triunfo, cuando en 2005 lo seleccionaron, en un casting al que se presentaron más de 22.000 personas. Víctor quedó tercer finalista y, desde entonces, se dedica planamente a la música. En 2013 conoció a Alicia y juntos crearon Ananda Sananda, un binomio que ayuda desarrollar la conexión con Seres de Luz de alta vibración, por medio de diferentes iniciativas: música, libros, meditaciones, conciertos y cursos que ofrecen de manera online y por diferentes ciudades de España. Más información: https://www.anandasananda.com

Alicia Sánchez Montalbán es Licenciada en Derecho y Máster en Asesoría Fiscal, pero en 2007 cambió completamente su vida para dedicarse a la Espiritualidad. En 2009 creó una agrupación sin ánimo de lucro que ayudó a miles de personas en todo el mundo. Ha escrito más de 15 libros canalizados, canaliza meditaciones en conexión con Seres de Luz, y crea los cursos que ofrece Ananda Sananda, entre ellos, el curso estrella Aprender a Canalizar, con el que ha enseñado a muchísimas personas a escuchar a sus guías espirituales. Más información: https://www.aprenderacanalizar.com/

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Sábado 21 de mayo 19:00 hrs.
Espacio Ronda Madrid, Sala Azul
Entrada 12 euros

Con la participación de
MÓNICA GALLEGO (NUWANDA), periodista y escritora: Fundadora de Poetry on the roof. Libros de poesía publicados: El hogar del monstruo, 2016, Amaranto, 2021
CARLOS DEL RIO, guitarra flamenca: Desde 1974 hasta 2014 ha trabajado en los tablaos más reconocidos de España, Canadá, Alemania y Japón. Concertista de guitarra flamenca en 2011 en la ciudad de Villeneuve-sur-Lot. Francia, en 2012 en Basel (Switzerland)  y, últimamente, en Madrid (España) en 2019 , con el poeta español Primitivo Oliva Fernández, presentando su proyecto de “10 cuerdas flamencas” en Espacio Ronda.
SHEILAN CHONG, bailaora: Comenzó sus estudios del flamenco a los 9 años de edad. Se formó dentro del Ballet Español de Cuba, Acompas Flamenco y Amor de Dios. Ha trabajado en Tablaos y teatros, consiguiendo el primer premio en el concurso promocionado por M.I.F. Association denominado “Creativita’senza Frontiere 2019” celebrado en Italia.  Últimamente ha fijado su residencia en Madrid (España).

PROGRAMA:
Solo de guitarra (Soleá)
Poema «Cercanías lejanas», con guitarra y baile en Soleá por bulerías
Poema «Lejanías cercanas», con guitarra y baile en Soleá por bulerías
Poema «Cimientos», con guitarra y baile por Taranto
Poema «Equilibrio en la Balanza», con guitarra y baile por Taranto
Poema «Privilegios», con guitarra y baile por Tientos terminando por tango
Solo de guitarra
Poema «Esto también pasa», con guitarra y baile por Seguidilla
Poema «Casa», con guitarra y baile por seguidilla
Guitarra y baile por Bulerías

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Domingo 22 de mayo, 18.00 h.
Espacio Ronda Madrid – Sala Azul
Entrada 12 euros

Valentín Cosso: Guitarra
Nadia Ojeda: Guitarrón
Juan Martín Caraballo: Guitarra y voz

Somos un trío de guitarras (dos Guitarras y Guitarrón) que interpretamos Música del Litoral. Hace mucho tiempo que tocamos juntos por que nuestro pueblo nos juntó alrededor de este noble instrumento, pero desde el 2017 formalizamos el grupo. El nombre alude a nuestra ciudad natal: Gualeguay, que es cuna de guitarristas y constructores de guitarra, a quienes hacemos honor tocando con sus instrumentos. El repertorio que interpretamos pasea por los géneros de la provincia de Entre Ríos: Milonga, Chamarrita, Chamamé, Rasguido Doble, Vals entre otros. Procuramos aportar a la difusión de los autores y compositores de nuestra provincia que en la mayoría de los casos son casi desconocidos siendo justamente los que merecen mayor difusión por su aporte creativo, sensible y genuino a la música folklórica nacional. En el año 2018 editamos nuestro primer disco titulado “Dimotta en Guitarras” donde interpretamos 16 temas de autoría de Abelardo Dimotta (el acordeonista y compositor más importante de la provincia quien delineó el género Chamamé Entrerriano) en versiones de guitarra, el cual presentamos en diversas partes del país acompañado de una charla taller sobre su música. En la actualidad estamos próximos a editar nuestro segundo trabajo discográfico titulado “Guitarra para el camino” donde dejamos registro sonoro y audiovisual de temas del cancionero Entrerriano y en algunos casos interpretados con sus propios autores y/o cantantes.

Por otra parte vamos incursionando en nuevas composiciones, propias y de otros autores jóvenes de la provincia, tratando de seguir “por la misma senda” de quienes nos precedieron, quienes han estado siempre atentos al paisaje, su gente y de manera sensible y creativa han podido traducir en música los rasgos culturales propios de esta región. En este tiempo de cese de las actividades presenciales hemos estado produciendo mucho material audiovisual el cual se puede disfrutar en nuestro canal de YouTube como así también realizando talleres virtuales los cuales continuaremos de manera presencial cuando las condiciones lo permitan. El 18 de enero, nuestro libro “Sentimiento de un entrerriano” (trascripción de la obra completa de Abelardo Dimotta) fue galardonado con el primer premio del concurso “Aportes de contenidos acerca del chamamé y su cultura” que organizó el Instituto de Cultura de la provincia de corrientes junto con a la Universidad del Nordeste. Entre las actividades de la agenda venidera, estaremos participando del Festival Internacional de Música (FIMU) a desarrollarse en Belfort – Francia en junio de 2022.

Programa
La guitarra de tu pueblo (chamamé) – Valentín Cosso
La Ofelia (Chamamé) – Abelardo Dimotta
Gurisito de Entre Ríos (chamarrita) – Ángel Vicente Araoz / Hugo Duraczek
Porteña y nada más (milonga) – Don Filinto / Mario Rafaellí
Yira Yira (tango) – Enrique Santos Discépolo
A Don Agustín Bardi (tango) – Horacio Salgán
Arroyo Clé (chamamé) – Ricardo Maldonado
Siestera (Chamarrita) – Hugo Duraczek
La Paz (Chamamé) – Mateo Villalba
Canto al Río Gualeguay (chamamé) – Julio Faggiana

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Recuerdos Sonoros
Un viaje de más de 100 años a través del sonido del clarinete y el piano
José Luis Espejo, clarinete + Diego Blanes, piano
Domingo 22 de mayo, 18.00 hrs.
Espacio Ronda Madrid
Entrada 10 euros

Recuerdos Sonoros es un viaje a través de las sonoridades, los sentimientos, las visiones, que el dúo de clarinete y piano ha suscitado en tres de los mejores compositores europeos de todos los tiempos. Se trata de tres obras escritas originalmente para estos instrumentos e inspiradas por su combinación de tímbricas evocadora y sugerente. El programa de este concierto es un testimonio de primer orden de qué impresiones evocaba esta formación instrumental en el oído artístico de ese periodo histórico. Durante el recorrido se podrá experimentar cómo evolucionó esta manera de percibir la sonoridad y la expresividad a lo largo del siglo en que fueron compuestas estas tres obras de arte (1849, 1894 y 1962). Cada una de las obras está estructurada en tres movimientos y cuenta su propia historia, mostrando una variedad propia de imágenes y estados de ánimo que evolucionan y cambian constantemente. En este repertorio, el oyente podrá reconocer e identificarse con el lenguaje que crearon estos compositores para estos instrumentos, pues, como recuerdos sonoros que perduran a través de la historia, forman parte del imaginario musical colectivo del presente.

PROGRAMA
Fantasiestücke Op. 73 R. Schumann
Zart und mit Ausdruck – Lebhaft, leicht – Rasch und mit Feuer
Sonata Op. 120 nº2 en Mi b Mayor J. Brahms
Allegro amabile – Allegro appassionato  – Andante con moto, allegro
Sonata FP184 F. Poulenc
Allegro tristamente (Allegretto – Très calme – Tempo allegretto)
Romanza (Très calme)
Allegro con fuoco (Très animé)

José Luis Espejo, clarinete
Nacido en Madrid, desde muy temprana edad comenzó sus estudios musicales en la Escuela Municipal de música»Manuel de Falla» de Alcorcón bajo la tutela de D. Ramón Barona (clarinete solista O.R.T.V.E). Posteriormente ingresó en el Conservatorio Superior de música de Madrid bajo la tutela de D. Máximo Muñoz(solista O.R.T.V.E) y D. Vicente Peñarrocha (solista de la O.N.E) recibiendo las máximas calificaciones con Premio de Honor fin de carrera. Ha realizado múltiples cursos y masterclass de perfeccionamiento, técnica e interpretación a cargo de grandes pedagogos y artistas como Ramón Barona, Enríque Pérez Piqué, José Luis Estellés, Antonio Goig, Adolfo Garcés, José Tomás Pérez, Justo Sanz, Michel Arrignon, Bertran Egger, Carles Riera y Jean Louis Sajot. Desde muy pronto se interesó por la música de cámara realizando diversos cursos con profesores como Jordi Mora, Clarence Myerscough, quinteto de viento Albion (solistas de la orquesta Saint Martín in the Fields) en el curso europeo de música de cámara Stage 92 y recibiendo premio de honor en 2° y 4° de música de cámara por el Real Conservatorio Superior de música de Madrid y seleccionado para representar a la Comunidad de Madrid en la Muestra Nacional de música de cámara, celebrada en Barcelona, con la formación a dúo de clarinete y piano. Además de realizar cursos de formación orquestal en la J.O.R.C.A.M y L’ Académie Internationale de Pontarlier en Francia… Ha formado parte de múltiples agrupaciones musicales desde la banda sinfónica municipal de su escuela»Manuel de Falla» de Alcorcón como clarinete concertino y colaboración con la Banda sinfónica municipal de Madrid y Orquesta Sinfónica de RTVE en múltiples ocasiones. Además de diferentes grupos cameristicos (cuarteto de clarinetes, quinteto de viento, grupo de viento»solistas de Madrid», grupo Modus Novus, Rollin clarinet band, through folk,etc…)  Actualmente es profesor de clarinete de las escuelas municipales de las Rozas y Majadahonda y ha sido profesor interino de la red de conservatorios de la comunidad de Madrid.

Diego Blanes, piano
Comienza sus estudios de piano en Madrid, en el Conservartorio “Ángel Arias Maceín” con Águeda de Haro y de Música de Cámara con Francisco José Segovia. Paralelamente, también completa los estudios de Armonía y Melodía Acompañada con Luis Ángel de Benito. Más tarde obtiene el título de Profesor Superior de Piano en el Conservatorio Superior de Música de Madrid bajo la dirección de Fernando Puchol con las máximas calificaciones.  Ha realizado cursos y masterclass de perfeccionamiento, técnica e interpretación con artistas y pedagogos como Rita Wagner, Joaquín Soriano, Almudena Cano, Miguel Ituarte, Michele Campanella,… Ha ampliado su formación clásica de forma regular con el pianista, compositor y pedagogo Andrés Alén, con quien además ha realizado estudios de armonía y piano modernos. En este ámbito también asistió a los últimos cursos impartidos por Barry Harris en Madrid, además de recibir otras masterclasses con intérpretes como Horacio Icasto o Joaquín Chacón y asistir al curso internacional Sommerjazz Hilden, en Alemania, con los pianistas Walter Fischbacher y Antonio Faraó. Desde hace más de 15 años ejerce también como docente de piano, música de cámara y pianista acompañante en la Escuela Municipal de Música de las Rozas.

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Jueves 26 de mayo, 20:00 hrs.
Espacio Ronda Madrid
Entrada 12 euros

Velada íntima que invita a adentrarse en el mundo árabe, a través de piezas de diferentes lugares, a través de la mezcla de dos mundos más cercanos que distantes, a través de instantes en que las melodías forman un anhelo de búsqueda espiritual.
Husam Hamumi – Kanún, Ney, Kawala y Voz + Nerea Mafarki –  Voz + Beatriz Rodríguez Hornero – Giro Sufí

Nirtán ( Beatriz R. Hornero): Estudia Bellas Artes en la universidad de Cuenca. Formación en Danza Clásica, Danzas Orientales y Giro Derviche. Artista multidisciplinar, apasionada y comprometida desarrolla su investigación y producción artística a través de la danza, la fotografía digital, el dibujo y la pintura. Atraída por lo profundo del ser humano y la virtud, carismática y con una marcada inclinación hacia lo místico no se contenta con “el mundo de lo visible” y por tanto se aventura a la búsqueda de ese otro mundo que le hace presentir “el hambre de realidad“ , “la sed de absoluto”…  La mística nos proporciona una sensibilidad extrema con la que enseñar al mundo lo que algunos no son capaces de ver. En su repertorio de danza destaca su particular “Giro Derviche” con el que explora la dimensión espiritual sin dejar de lado la carga estética que viene con su condición de artista, lo sagrado como sustento de la creación artística. Su carrera como bailarina ha tenido gran impacto en Marruecos donde ha resido 7 años. Actualmente reside en Madrid.

Nerea Mafarki: Nerea siempre supo que tenía que dedicar su vida principalmente a la Música. Empezó a trabajar en su voz y demás aspectos como música y artista en la Fundación de la Música Moderna de Avilés, Asturias (su tierra natal), con la profesora de canto y música Ariane Valdivie y la pianista y profesora Elena Díaz. Continuó en Madrid en la Escuela de Artistas de Jesús Yanes. También ha tenido contacto con la cantante y coach vocal Mónica Benito. Además, ha iniciado una formación de músicas árabes con el músico y maestro Wafir S. Gibril; música carnática del sur de la India con Narendra Bhaskar, músico y maestro;  percusión africana con el maestro Fale, en Etnopercusión; producción con el músico y productor Bruno Travi (quien forma parte, además, de sus proyectos); y danza oriental con la maestra Sahra Ardah. Durante su camino, ha aprovechado oportunidades muy variadas y en distintos estilos para crecer y aprender en este ámbito, pero sobre todo, para encontrarse a sí misma en su música. Nerea siempre ha tenido una visión esperanzadora hacia el mundo y nuestra sociedad y encuentra en el arte la oportunidad perfecta para plantar semillas de cambio. Eso es lo que impulsa a su voz y a sus composiciones desde lo más profundo de su corazón. En su música, podemos hallar además, influencias de diversas culturas. Para ella, cada sonido nos conecta con una emoción y una parte de nosotros mismos, y algo muy importante: nos une, venciendo las barreras que algún día empezaron a separarnos. Ahora estamos a la espera de la inminente salida de su primer Album: Kelintupuah, que promete un viaje entre lenguas, dialectos, ritmos y emociones profundas.

Husam: Houssam Hammoumi músico multi-instrumentista, de Fez, Marruecos, se graduó en el conservatorio de la música andalusí de Fez, toca Ney y Kawala (Flautas árabes), Kanun y laúd árabe.  Actuó en varios festivales nacionales y internacionales como el festival de música sufí de Fes en 2010 en Marruecos. Festival Les Nuit d’Orient (2012 Dijon, Francia), Festival al Mutamid (Portugal: Faro, Albufeira, Almada, Lagoa, 2013, 2014, 2015, 2016), Festival Folk Zaragoza (España 2015) Festival Tollwood (2019, Munich, Alemania)…

La música constituye una llave para conectar con nuestro corazón, para adentrarnos en nuestra memoria y en nuestra imaginación. Te invitamos a participar en esta experiencia sonora y visual, donde a través de diversas melodías y textos puedan ir resonando en tu interior aquellas sensaciones, imágenes o recuerdos que en este momento de tu vida necesiten venir a ti para permitirte comprender.

Intérpretes:
Elena Arellano Luis
(piano, voz)
Juan Manuel Morillo Velázquez
(violín, percusión)

Lugar:
Espacio Ronda
Ronda de Segovia, 50
28005 Madrid
Metro Puerta de Toledo

Fecha:
Viernes, 27 de mayo de 2022
Horario: 20:00 horas
(acceso a la sala
desde 10 minutos antes)
Precio: 11 euros

Para reservar tu plaza, puedes enviar un mensaje de texto
(whatsapp o sms) al teléfono +34.644.481.580
Más información:
www.sencillamente-ser.org

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Pianista. Compositora. Profesora de piano
Domingo 29 de mayo, 12:30 hrs.
Espacio Ronda Madrid
Entrada 15 euros, se aconseja reservar

HyeRyun Jung nace en Seúl (1979), Corea del Sur y entra en contacto con la música muy precozmente, primero estudiando guitarra para proseguir con el piano ya en el Conservatorio Superior de Música de Madrid. Se dedica a la enseñanza del piano organizando cada año conciertos con sus alumnos. Ha tocado en Madrid en el Círculo de Bellas Artes, Espacio Ronda, Conde Duque, Ateneo de Madrid, Casa de Castilla La Mancha, Estudio Carolina Andrada y en la Sala Manuel de Falla de la SGAE (Sociedad General de Autores y Editores) donde presentó su primer disco “En Silencio Contigo. En Ourense, en el Teatro del Liceo conmemorando el 50 aniversario de la UNED, y en Teruel, en su Museo Provincial. Desde el Espacio Ronda, el 2 de febrero interpretó Arirang -아리랑 (Arr. canción tradicional coreana) en el Think Tank 2022. Global Forum.  International Association of Arts and Culture for Peace. “Overcoming Division on the Korean Peninsula through Cultural diplomacy and the Arts.

En abril de 2021 publica su primer disco «En Silencio Contigo» que presentó así: “En mi vida la música ha sido mi mejor amiga y la única que me ha consolado en los momentos difíciles. A veces en esos momentos, con alguien a mi lado, he preferido compartir el silencio a las palabras y que ese silencio lo invadiera mi música. Con este disco deseo que al escucharlo compartas lo que he sentido al componerlo. Y si el tiempo que estás viviendo no es el mejor posible, y ni siquiera hay alguien cerca, que esta música te sirva de consuelo y en el silencio la sientas a tu lado” y en abril de este año graba su segundo disco, «Mi Historia» que presentará en su próximo concierto en el Espacio Ronda el 29 de mayo: En este concierto os presento mis nuevas composiciones que forman mi segundo disco “MI HISTORIA”. Es una mirada atrás, una reflexión sobre mi vida. Son composiciones para mí, porque sólo cuando me embarco en la música puede salir que de otra forma me es imposible que aflore. Espero así que se cierren brechas abiertas, olvide decisiones equivocadas, dudas, culpas y el miedo a no encontrar donde sentirme protegida y a que los ojos
del invierno dejen de mirarme. Conseguir así que ese pasado quepa en mis manos y al abrirlas el mar se lo lleve, y quede la pasión la alegría, el deseo… Y de nuevo comenzar donde ya no tenga que irme.Este viaje, si alguien lo siente así, lo podemos recorrer juntos.

Ha colaborado con la fotógrafa vasca Lourdes Garay Ibabe en su exposición “60 y tantos” y “Oquedades”. Vitoria-Gasteiz 2021 y con el profesor aragonés de Comunicación Audiovisual Ángel Gonzalvo Vallespí en un corto versión libre de la obra “El hada primavera” de Segundo de Chomón. Huesca 2021. Su composición “El Techo del Cielo” fue elegido por los alumnos de primaria del CPI Val de Atalaya (740 alumnos) de María de Huerva (Zaragoza) cómo hilo musical para entradas/salidas y cambios de clase de todo el centro, durante el curso 2020/2021.

Enlaces a ”El Silencio Contigo”: https://linktr.ee/hyeryun_jung
https://www.youtube.com/channel/UC6K9oIkoGf9lfcFjUET4CBQ

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Domingo 29 de mayo, 18:00 h.
Espacio Ronda Madrid
Entrada 12 euros

«T2 a dúo» se presenta como un dúo que fundamenta su razón de ser en el estudio, promoción y fomento de nuestros instrumentos a distintos niveles y desde diferentes perspectivas simultaneando el intercambio de prácticas y vivencias interpretativas. El patrimonio cultural integra a nuestros instrumentos como parte activa y fundamental en gran parte de sus manifestaciones artísticas musicales, resultando fundamental para su desarrollo y conservación el estudio y promoción de la práctica e interpretación de los mismos. Su alcance y proyección se sustenta de parte de grandes profesionales de la música actual y su magnífica conjunción.

PROGRAMA
Sonata en Fa Mayor – G. F. Haendel
Adagio / Allegro / Adagio / Menuetto / Bourreé angloise
Concierto tuba / piano – J. Williams
España – I. Albéniz
Canción catalana / Malagueña
Cantos de España – I. Albéniz
Orientale

Carmen Yepes, piano
Natural de Oviedo, realiza sus estudios musicales con los maestros Francisco Jaime Pantín, Josep Colom y Claudio Martínez Mehner. Además ha recibido consejos de I. Zaristkaya, A. Baciero, J.Achúcarro, L. Chiantore, F. Rados, J. Banowetz y A. Jasinski. Ha obtenido el 1º Premio en Concursos Nacionales e Internacionales tales como “Ciudad de San Sebastian”, “Ciutat de Carlet”, “Petrof” y “Ricard Viñes” de Lleida, al cual fue invitada para formar parte del jurado en la edición del año 2002, el 2º Premio en el “Infanta Cristina”, “Marisa Montiel” y “Ciudad de Albacete”, y el Premio a la mejor Pianista Acompañante en el “11º Concurso Intercentros Melómano 2.012”. Entre las orquestas con las que ha actuado, caben destacar la Orquesta Filarmónica de Frankfurt-Oder, Sinfónica del Principado de Asturias, Oviedo Philarmonía, Filarmónica de Hradec Kralové (República Checa), Ciudad de Elche, Solistes Europeens Luxembourg, Ferenc Liszt de Budapest, Filarmónica de Málaga, Sinfónica del Vallés , Sinfónica de Castilla y León, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Clásica de Asturias, Vancouver Symphony Orchestra, Sinfónica de la Región de Murcia y Sinfónica de Baleares “Ciutat de Palma”. La crítica especializada la ha considerado como una de las mejores y más completas pianistas españolas, destacando su amplísimo repertorio, que abarca desde el Barroco hasta la Música Contemporánea. En 2016 fue seleccionada por el Centro Nacional para la Difusión Musical (INAEM) para realizar una gira de conciertos con la integral de las Sonatas para piano de Beethoven y los Estudios de Ligeti, que se está llevando a cabo en las salas más importantes de nuestro país. En la actualidad, Carmen Yepes compagina su actividad concertística con la docencia como funcionaria de carrera en la Comunidad de Madrid.

Manuel Dávila, tuba
Natural de Mancha Real, Jaén, se forma instrumentalmente bajo la tutela de maestros como D. Francisco Muñoz Pavón, D. Miguel Moreno Guna y D. Walter Rand Stormont, habiendo recibido también clases magistrales de Walter Hilgers, Sam Pilafian, Jens Bjorn Larssen, Rex Martin, Enrique Crespo, Chuck Daellenbach o Daniel Perantoni. En 2003 comienza a desempeñar su labor docente como profesor de Tuba y Bombardino en el Conservatorio Profesional de Música Teresa Berganza de Madrid hasta 2009, año desde el que ocupa la cátedra de Tuba en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid así como del Máster en enseñanzas artísticas en nuevas tecnologías de la música actual “Creación e Interpretación”. Profesor invitado por orquestas como Sinfónica de R.T.V.E., Sinfónica de Navarra, Nacional de España, Sinfónica de Madrid, Sinfónica de la Comunidad de Madrid, Sinfónica de Extremadura, Sinfónica de Córdoba, Banda Sinfónica Municipal de Madrid o Banda Municipal de Santander. Profesor invitado para impartir diversos cursos, encuentros y jornadas de perfeccionamiento musical para Tuba y Bombardino en ciudades como Zamora, Altea, Oviedo, Salamanca, Villarejo de Salvanés, Pozuelo de Alarcón, Mota del Cuervo, Alcaudete, Guadix, Morata de Tajuña, Magallón, Forum Musikae de Torrelodones o Manzanares… así como los organizados en conservatorios de música tales como el profesional y superior de Jaén, Victoria de los Ángeles de Madrid, profesional y de Córdoba, profesional de Linares, profesional de Campo de Criptana, profesional de Burgos y jóvenes orquestas como la Joven Banda Sinfónica de Castilla y León o Joven Orquesta Nacional de España. Ha realizado grabaciones para R.N.E., Radio Clásica, R.T.V.E., Atma Classique o A&B Master Record. Manuel toca con tubas Meinl Weston 4/4 y Joseph Monke 6/4 en do y B&S Perantucci MRP en fa.

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Música de Scarlatti, Bach, Vivaldi, Satie, Dowland y otros compositores del Renacimiento y del Barroco
Domingo 29 de mayo, 20:00h
Espacio Ronda Madrid
Entrada 12 euros

Archguitar Dúo interpreta repertorio de su nuevo álbum, «The Big Sound / El Gran Sonido» en Espacio Ronda. El dúo está formado por dos hijos de la gran cultura de la guitarra de los años sesenta y setenta de ambos lados del Atlántico: Peter Blanchette y Mané Larregla.

Al crecer en Boston, Massachusetts, en los años sesenta, Peter Blanchette tuvo que depender de un hombre mayor italiano, Tony, el conductor del camión de la lavandería del barrio, quien tocaba la mandolina eventualmente sobre todo en bodas para que le enseñara a tocar la guitarra. Después de un año de dominar versiones napolitanizadas de «Wichita Lineman» y «Michelle» a los diez años de edad Blanchette le pidió a su maestro que le explicara como tocar el solo de «Purple Haze» de Jimi Hendrix. Al escuchar la versión del disco de 45 revoluciones, totalmente rayado por los intentos de Blanchette de aprender la melodía de oído, el humilde profesor exclamó con gran asombro: «¡Guau! Eso es un gran sonido!». Blanchette recuerda a día de hoy la experiencia de ver a su querido profesor de la tercera edad reaccionar con asombro y perplejidad a la música  del más grande de los innovadores de la guitarra del siglo XX. «Desde entonces ha sido la experiencia que busco crear: – el gran sonido – el sonido que hace que te detengas para escuchar con los oídos bien abiertos. Irónicamente creo que mi mejor intento para lograrlo es con el sonido suave y detallado de dos archguitars juntas, tocando la música de Bach y otros maestros antiguos, el sonido que Mané y yo creamos con esta música.» Blanchette es un galardonado compositor y veterano intérprete en lugares de alto perfil como el Festival de Guitarra de Córdoba de España, A Prairie Home Companion de NPR, WGBH, Boston Symphony Hall, el Centro Kennedy para las Artes Escénicas y el Instituto Heifetz. Sus diversas grabaciones aparecen en muchas películas y programas de televisión en horario estelar, incluyendo «Sexo en Nueva York», «Royal Pains» y la película de John Turturro, «Illuminata».

Mané Larregla es oriundo de Madrid, España y un conocido guitarrista y productor. Le acreditan docenas de grabaciones como «Donde más Duele», el disco más vendido de María Jiménez. Estuvo de gira con la gran cantante de África Occidental, Mariem Hassan, con el artista de Sierra Leona, Seydu o con el grupo de Zaragoza Distrito 14 entre otros. Ha compuesto numerosas bandas sonoras junto a José Manuel García Pelayo.

La archguitar de Blanchette-Stanul: En 1981, Peter Blanchette pidió a Walter Stanul, profesor de guitarra del Conservatorio de Boston y profesor de Harvard de construcción de instrumentos musicales, que le construyera un nuevo tipo de instrumento que podría «tocarse como una guitarra pero sonar como un laúd». Ambos, frustrados por las limitaciones en el rango de la guitarra a la hora de interpretar repertorio de laúd y clavecín, deseaban un instrumento de rango extendido, especialmente para interpretar la música de Bach. Y así la archguitar nació en 1982. Uno de los elementos distintivos del diseño es la forma del cuerpo inspirada en la vihuela, un instrumento del renacimiento español y portugués. Existen menos de treinta especímenes de archguitar construidos por Walter Stanul, Peter Blanchette sigue tocando la primera archguitar construida en 1982.

Miércoles 1 de junio 20:00hrs
Entrada 22€ / 17€ reservas antes del 15 de mayo
Reservas: info@laescueladelser.es / 651 667 409

Eduardo Laguillo recupera en sus conciertos el sentido ritual profundo y devocional de estos cantos y mantras, nutriendo así el corazón espiritual de los asistentes.

Mantras de algunas de las tradiciones más relevantes hoy en día sobre las que Eduardo Laguillo ha compuesto sus propias músicas originales.

Textos védicos, hindúes, sikhs, budistas, cristianos, taoístas y sufís. Las melodías son sencillas y bellas, una música cercana a nuestra cultura que nos conecta emocional y anímicamente con el significado real de estas fórmulas sagradas.

El público participará en algunos momentos bajo la dirección de Eduardo.

Escuela del Ser | Música, Artes & Autoconocimiento

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Viernes 3 de junio, 20:00 hrs.
Espacio Ronda Madrid
Entrada 12 euros

Bruno Travi – Flautas andinas y guitarra
Nerea Mafarki – Voz y percusión
Vladimir Llajaruna – Charango y voz

Hay lugares que aún nos traen el recuerdo del espíritu de la naturaleza, que imitan sus sonidos y que nos invitan a danzar con él. En este encuentro íntimo, seremos parte de un viaje musical que nos conectará al corazón de la tierra andina. El corazón de la Pachamama, de la madre tierra.

Bruno Travi. Multi-instrumentista,  intérprete de flautas étnicas; quenas, sikus, moceños y tarkas de los andes, bansuri de la India, flauta nativa del norte de América, además de la flauta travesera, piano y guitarra.
Motivado por el deseo enriquecer su experiencia con la música, estudió armonía funcional, arreglo contemporáneo y cursos de especialidad “Teoría y Armonía” y “Orquestación para film” además se le otorgo la beca “Master en Producción Sonora y Audio Digital” de la Universidad Ramón Llull-La Salle de Barcelona. Ha participado en la dirección, arreglos e interpretación en diversas producciones y ha acompañado a lo largo de 24 años a artistas y agrupaciones en giras, conciertos y recitales por diversas ciudades de Estados Unidos, Europa, Asia y Latinoamérica.

Nerea Mafarki. Empezó a trabajar en su voz en la Fundación de la Música Moderna de Avilés, Asturias (su tierra natal), con la profesora de canto y música Ariane Valdivie y la pianista y profesora Elena Díaz. Continuó en Madrid en la Escuela de Artistas de Jesús Yanes. También ha tenido contacto con la cantante y coach vocal Mónica Benito. Además, ha iniciado una formación de músicas árabes con el músico y maestro Wafir S. Gibril; música carnática del sur de la India con Narendra Bhaskar, músico y maestro;  percusión africana con el maestro Fale, en Etnopercusión; producción con el músico y productor Bruno Travi (quien forma parte de sus proyectos); y danza oriental con la maestra Sahra Ardah. Nerea siempre ha tenido una visión esperanzadora hacia el mundo y nuestra sociedad y encuentra en el arte la oportunidad perfecta para plantar semillas de cambio. Eso es lo que impulsa a su voz y a sus composiciones desde lo más profundo de su corazón. En su música, podemos hallar además, influencias de diversas culturas. Para ella, cada sonido nos conecta con una emoción y una parte de nosotros mismos, y algo muy importante: nos une, venciendo las barreras que algún día empezaron a separarnos. Ahora estamos a la espera de la inminente salida de su primer Album: Kelintupuah, que promete un viaje entre lenguas, dialectos, ritmos y emociones profundas.

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Sonata para cello n.º 3 en La mayor, Ludwig van Beethoven
Sonata para cello en Do mayor, Segei Prokofiev
Sábado 4 de junio, 18.00 h. – Espacio Ronda Madrid
Entrada 12 euros

Elena Frutos compagina su actividad concertística con su labor pedagógica en la Cátedra de Repertorio con piano del Conservatorio Superior de Música Manuel Castillo de Sevilla. Ha sido premiada en numerosos concursos de piano y música de cámara, entre ellos Premio Vicente Scaramuzza, Concurso Internacional Ciutat de Carlet, Concurso Internacional Ciudad de El Ejido y Ciudad de Linares Marisa Montiel. Ha tocado como solista con las orquestas OSCYL, Sinfónica Goya, Filarmónica del CSMA y del CIM de San Lorenzo de El Escorial. También ha realizado recitales en grandes ciclos y festivales como AIE Clásicos en Ruta, Finge Festival, Festival Pianomeeting, Festival Rafael Orozco y ciclo de conciertos Música en el Instante. Ha realizado el Máster en Interpretación en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con la Profesora Galina Eguiazarova. Ha trabajado como pianista repertorista en el Conservatorio Superior de Música de Castilla y León y en el Centro Superior Katarina Gurska de Madrid, y como profesora de piano en el Conservatorio Profesional de música Monteverdi y en el Summer Camp Música y Cultura de la ESMRS.

Manuel Panadero ha estudiado en los conservatorios Arturo Soria, Padre Antonio Soler (San Lorenzo de el Escorial), comenzando su formación con Victoria Méndez y Pablo Borrego. También ha recibido clases magistrales de Cristoph Richter (Folkwangschule), Suzanne Hornbach Müller y Dieter Messlinger en Essen (Alemania). Posteriormente recibe clases del violoncellista Sergei Messropian. En el terreno de la música de cámara ha trabajado con la pianista y profesora Djurdjica Kovalj, y posteriormente con Sofia Nebolsina, con la que realiza numerosos conciertos en formación de trío y dúo cello-piano, y en cuya escuela es profesor de violoncello durante los años 2001-2008. Complementariamente a su formación como violoncellista estudia Viola da Gamba en el conservatorio Padre Antonio Soler. Como profesor, ha impartido clases en Nebolsin – centro de estudios musicales, American School of Madrid y Aula de Músicas. En otro ámbito, es licenciado en ciencias químicas, en la especialidad de química orgánica, por la Universidad Complutense de Madrid.

La Sonata para violonchelo n.º 3 en La mayor, Op. 69, es la tercera de las cinco sonatas para violonchelo de Ludwig van Beethoven. Compuesta en 1807-08, pertenece a su periodo medio, en el que compuso, entre otras obras, sus sinfonías quinta y sexta. Fue estrenada en 1809 por el violonchelista Nikolaus Kraft y la pianista Dorothea von Ertmann, estudiante de Beethoven. Publicado por Breitkopf & Härtel el mismo año, fue dedicada a Freiherr Ignaz von Gleichestein, amigo de Beethoven y violonchelista aficionado. Las dos primeras sonatas de Beethoven eran, como de costumbre en ese momento, piezas de concierto virtuosas para piano, con el instrumento de cuerda desempeñando un papel secundario. La tercera sonata ha sido descrita como la primera sonata para violonchelo que da a los dos instrumentos la misma importancia. Un modelo para composiciones posteriores en el género, se ha interpretado y grabado a menudo, incluidas versiones con instrumentos históricos. Es la primera obra de Beethoven en utilizar técnicas avanzadas de violonchelo. La sonata es formalmente la más expansiva de las sonatas para violonchelo de Beethoven, pero también la más melódica, y tuvo éxito con el público desde el principio. El violonchelista Steven Isserlis describió la obra como la primera sonata para violonchelo de la historia para dar a los dos instrumentos la misma importancia. Se ha mantenido como modelo en el género, para obras de Mendelssohn, Brahms, Debussy y Shostakovich.
Este Opus 69 consta de tres movimientos:
1. Allegro, ma non troppo – 2. Scherzo: Allegro molto – 3. Adagio cantabile – Allegro vivace

La Sonata para Violonchelo en Do mayor, Op. 119, fue compuesta por Sergei Prokofiev en 1949. El año anterior, Prokofiev fue acusado de formalismo por el Decreto Zhdanov y gran parte de su música fue prohibida. Sin embargo, continuó componiendo música, aunque no estaba seguro de si sus nuevas obras alguna vez se interpretarían en público. En 1949, Prokofiev asistió a un concierto en el que Mstislav Rostropovich interpretó la Sonata para violonchelo n.º 2 en La menor op. 81 de Nilokai Miaskovsky. Prokofiev quedó tan impresionado por la actuación de Rostropovich que estaba decidido a escribir una Sonata para violonchelo para él. La Sonata para violonchelo fue publicada en Moscú en 1951. La obra se estrenó el 1 de marzo de 1950 en la Sala Pequeña del Conservatorio de Moscú con Rostropovich y el pianista Sviatoslav Richter. En sus memorias, Richter escribió: Dimos la primera interpretación de la Sonata para violonchelo de Prokofiev. Antes de tocarla en concierto, tuvimos que interpretarla en la Unión de Compositores, donde estos caballeros decidían el destino de todas las nuevas obras. Durante este período, más que cualquier otro, necesitaban averiguar si Prokofiev había producido una nueva obra maestra o, por el contrario, una pieza que fuera «hostil al espíritu de la gente». No fue hasta el año siguiente que pudimos interpretarla en público, en la Pequeña Sala del Conservatorio de Moscú.
La sonata está estructurada en tres movimientos:
1. Andante grave – 2. Moderato – 3. Allegro, ma non troppo

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Sábado 4 de junio, 19:00 hrs.
Espacio Ronda Madrid – Sala Azul
Entrada 15 euros

Con un repertorio formado principalmente por obras turcas, griegas y árabes, mezclando instrumentos tanto orientales como occidentales, Óleo se presenta como un proyecto de cuatro músicos españoles que se sienten cautivados por las sonoridades del otro extremo del Mediterráneo: “Los caminos musicales de cada uno de nosotros son diferentes entre sí: clásica, rock, jazz, blues, pop, folk y heavy metal. Así, y desde experiencias musicales distintas, nos acercamos a estas músicas con el máximo respeto y con el deseo de crecer con ellas. Óleo es para nosotros un lugar de encuentro y viaje sonoro. Es el espacio para aproximarnos juntos a estas tradiciones musicales llenas de sabiduría y belleza.”

Óleo está formado por:
Damián Acero – violín y rebab turco
Manolo Rosa – laúd turco
Vicen Caracia – contrabajo eléctrico y laúd árabe
Ricardo Fernández – cajón, darbuka y otros
https://linktr.ee/oleomusica
https://youtu.be/jddTTaMD8G0

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Domingo 5 de junio, 19:00 h.
Espacio Ronda Madrid
Entrada 12 euros

Tündra
Rubén Ezquerro. Voz
Miguel Nava. Flautas, Albogue, Dulzaina y Saxo
Jorge Garrido. Batería, percusión y salterio
Daniel Espinosa. Guitarra eléctrica y mandola
Rafael Martín. Zanfona y nyckelharpa

Tündra propone doce miradas hacia uno de los territorios más desolados del occidente europeo: las regiones en torno al Sistema Ibérico. En busca del paisaje sonoro que algún día dio alma a la vida de los pueblos y las gentes que habitaron sus sierras y campos, la banda se ha sumergido en los cancioneros y grabaciones antiguas; donde yacen los testimonios fosilizados de lo que un día fue la cultura musical de estas tierras. A través de la piel, el humo, la soledad y la escucha del silencio en los espacios abiertos de los páramos y serranías de la memoria, Tündra se adentra por los caminos desiertos y las trochas cerradas del olvido, al encuentro de los jirones musicales sobre los que construir nuevas sonoridades imaginarias.

Partiendo de estos materiales tradicionales, así́ como de géneros y rítmicas propias de estos entornos, el grupo ha elaborado doce temas: siete canciones y cinco piezas instrumentales. En su composición y arreglo intervienen tanto instrumentos del ámbito tradicional como modernos entre los que la voz adquiere un destacado protagonismo. Su propuesta no pretende pues, ser un reflejo fiel de la estética de los diversos estilos tradicionales de estas música, sino una visión musical introspectiva, inspirada en los paisajes y sus gentes, cuyos avatares y pequeñas historias permanecen entre los ecos de las cocinas vacías y los campos abandonados de la Celtiberia.

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Domingo 12 de junio, 19.00 hrs.
Espacio Ronda Madrid – Sala Azul
Entrada 12 euros

Repertorio de concierto íntegramente inspirado en Granada de una hora y media de duración. La primera parte ofrece música para dos guitarras, introduciendo al oyente en la atmósfera orientalista que se cierne sobre la ciudad de la Alhambra y llevándolo hasta los ecos de su pasado islámico medieval en conjunción con el flamenco más jondo y culto, mientras que en la segunda parte se da un paseo por la lírica y el cante granadinos al compás de la guitarra flamenca. Programa de concierto de diálogo entre guitarras y voz que suena a las entrañas de Granada y la evoca con sus melodías, ritmos, cantes y poesías.

PROGRAMA
Primera parte (dúo de guitarras)
Oriental – E. Granados
Sacromonte – J. Turina
Danza del terror – M. de Falla
Zambra – Tradicional andalusí
Moaxaja – Tradicional andalusí
Segunda parte (guitarra y voz)
La habanera imposible/La Vega – C. Cano / I. Albéniz
Granaína, media granaína y fandango del Albayzín – Tradicional flamenco
Nana y Canción del fuego fatuo – M. de Falla
Alhambra – E. Morente
Canciones españolas antiguas (selección) – F. García Lorca
Tangos de Granada – Tradicional flamenco
*Todas las obras son arreglos propios

Ana Cortázar Sobrino (Arenas de San Pedro, 1996) inició los estudios musicales en la Escuela Municipal de Música «Luigi Boccherini» de su localidad natal. Posteriormente, se formó en las especialidades de Guitarra y Canto en el Conservatorio Profesional de Música «Arturo Soria» de Madrid y en el Real Conservatorio Superior de Música «Victoria Eugenia» de Granada. Ha sido miembro de diversas agrupaciones vocales e instrumentales y ha ofrecido numerosos recitales como guitarra solista. Actualmente, desarrolla su tesis sobre la Alhambra y la guitarra dentro del Programa de Doctorado en Historia y Artes de la Universidad de Granada.
Mario Calderón Timón (Navalmoral de la Mata, 1994) comenzó a formarse como guitarrista en las peñas flamencas del norte de Extremadura. Ha recibido clases de numerosos maestros, destacando su formación en la Academia «El Entri» de Cañorroto. Ha trabajado como guitarrista de acompañamiento al cante y al baile y es profesor de guitarra flamenca en la Escuela de Música «Classic & Contemporary» de Navalmoral de la Mata desde 2017. Actualmente, se encuentra finalizando los estudios de Guitarra Flamenca en el Conservatorio Profesional de Música «Arturo Soria» de Madrid.
GuiTarab duo es la unión entre el clásico y el flamenco a través de la guitarra como instrumento principal y la música española, desde las raíces andalusí y sefardí hasta la actualidad, pasando por los grandes compositores de los siglos XIX y XX. El nombre responde al sentimiento de éxtasis o emoción estética (Tarab en árabe, equivalente al duende flamenco) que produce la música de nuestro instrumento. La voz interviene ocasionalmente para completar el diálogo musical entre guitarras.

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Domingo 12 de junio, 19:30 hrs.
Espacio Ronda Madrid
Entrada 10 euros

El joven pianista mallorquín Toni Mora nos presenta un concierto formado por composiciones originales influidas por estilos musicales diferentes en las que se generan amplios espacios para la improvisación. Toni Mora empezó a interesarse a los 15 años por el jazz y la improvisación, se introduce de lleno en la música de forma autónoma, y después recibiendo clases de piano, armonía y arreglos de la mano de Pep Lluís Castaño. El 2014 se desplaza a Barcelona para continuar sus estudios. y acaba accediendo el año siguiente a la Escola Superior de Música de Catalunya donde realiza sus estudios superiores de piano jazz con profesores como Joan Monné, Joan Díaz y Lluís Vidal. Ha formado parte de proyectos establecidos en Mallorca como la Glissando Big Band, el cuarteto Romeo, el grupo del baterista americano Julian Vaughn o la Voodoo Children Big Band de Toni Vaquer, así como agrupaciones vinculadas a la ciudad de Barcelona como Sandalwood Trio o Fly’s Quintet. A día de hoy reside en Madrid. Actualmente co-lidera el cuarteto Big Babo y se encuentra preparando su álbum debut Sol, formado por composiciones originales a piano solo.

Discografía:
Saxophobia Funk Project – “On Air” (Produccions Blau, 2015)
Romeo – “Romeo” (Auto-editado, 2017)
Romeo – “La Vida Sin” (Auto-editado, 2019)
Lluc Riba – “Quemad las Naves” (Auto-editado, 2020)
Toni Mora – “Sol” (Auto-editado, 2021)
Big Babo – “Big Babo” (Auto-editado, 2021)
Helena Camps – “Viu” (2022)
Magalí Datzira – BSO de la película «Toscana» (2022), director: Pau Durà
Toni Vaquer – “The Voodoo Children Collective Vol.2” (2022)
Pep Tosar – «Sonetos del amor oscuro» – (2022)