Agenda completa de actividades

Sep
15
Sab
Concierto Meditativo «VIAJE SONORO DE LUZ Y ARMONÍA» Con Cuencos de Cuarzo y Alquimicos, Diapasones y otros instrumentos.
Sep 15 @ 7:00 pm

El agua constituye más del 70% de nuestro organismo; y será el medio a través del cual la vibración se transmite a las células.

Los beneficios que aporta una sesión con los Cuencos de Cuarzo son de: armonización, relajación física y mental, paz interior. Mejora de dolencias y de estados emocionales.

El sonido de los Cuencos afecta de manera global al individuo:

► Equilibrando los centro energéticos o chacras.
► Limpian y armonizan el aura
► La repercusión que tiene la vibración en la columna sirve como vehículo de resonancia y se extiende a través del sistema nervioso, células, tejidos, órganos.
► La vibración producida por los cuencos tiene la capacidad de disolver bloqueos en el cuerpo físico y sutil y también facilita en casos de contracturas musculares, roturas y otros problemas óseos.
► Producen estados de relajación, meditación y sanación en los que la persona que recibe estas sesiones se beneficia, armonizando y equilibrando aportándole las frecuencias sonoras que son necesarias.

El concierto de cuencos de cuarzo y diapasones
Desde tiempos antiguos se ha utilizado el sonido con fines terapéuticos, reconociendo al propio organismo como una orquesta perfecta, en la que todos los órganos desempeñan su función como músicos. Cuando hay un desequilibrio, y uno de los músicos «desentona» la Sinfonía Armónica que debiera emitir el cuerpo se convierte en «ruido».

Gracias al Sonido transformador de los Cuencos de Cuarzo y los Diapasones Pitagóricos, podemos devolver al organismo la información perdida y recordar a cada Sistema la nota que deben tocar «afinándose» igual que un bello Instrumento Musical.

Participar en un concierto o sesión sonora con Cuencos de Cuarzo tocados con el conocimiento preciso, le permite a tu consciencia elevarse y expandirse en un tiempo mínimo, lo que a un ritmo cotidiano de elevación llevaría mucho tiempo, por eso es tan importante su aparición en estos momentos cruciales en la historia de la humanidad.

Te recomiendo: Que lleves ropa cómoda. Beber agua antes y después del Concierto para que el cuerpo se vuelva más conductor de la energía sanadora del sonido.

El poder de limpieza del sonido en su inicio, sobre todo con los Cuencos de Cuarzo, arrastrará cualquier bloqueo, emoción, etc. a través del sistema linfático, riñón, sudor, de ahí la importancia del agua después del Concierto.

Sep
16
Dom
Recital de violín y piano
Sep 16 @ 7:00 pm

Obras de Prokofiev, Wagner, Gershwin, Stravinsky
Alma Olite, violín
David Pellejer, piano

El programa

Primera parte
Cuatro piezas de “Romeo y Julieta”, S. Prokofiev (1891-1953), arr. D. Grujnes:
1. Montescos y Capuletos
2. Danza de las muchachas con lirios
3. Máscaras
4. Muerte de Julieta
Cinco melodías, op.35b, S. Prokofiev (1891-1953):
1. Andante
2. Lento, ma non troppo
3. Animato, ma non allegro
4. Andantino, un poco scherzando
5. Andante non troppo

Segunda parte
“Liebestod” de “Tristan e Isolda”, R. Wagner (1813-1883), arr. A. Ritter
Rapsodia in Blue, G. Gershwin (1898-1937)
Danza rusa de “Petrushka”, I. Stravinsky (1882-1971), arr. S. Dushkin

Se cuenta de Pedro Halffter, compositor y director de orquesta español, que estando en un restaurante con unos amigos, rogó que apagaran la música que sonaba de fondo. Y lo hizo con las siguientes palabras: “por favor, puede quitar la música, es que soy músico…”. Su sensibilidad artística no le permitía recibir la música solo como una especie de mueble decorativo, pues su relación con ella era, y debía de ser siempre, de entrega total. He aquí lo que quisiéramos transmitir con este recital. Nuestro objetivo, nuestro deseo, es recuperar la curiosidad sonora, la curiosidad por la belleza del sonido, por la belleza de la música y las historias emocionales que encierra; y tal curiosidad sólo se logra cuando nos colocamos ante ella en una situación de entrega total; justo en estos tiempos de masiva invasión de estímulos que dificultan precisamente el logro de una atención plena.

Con una historia sonora de amor y muerte se inicia el concierto. Cuatro páginas del ballet Romeo y Julieta de Serguei Prokofiev, un drama universalmente conocido e inspirado, al menos eso dicen algunos, en la leyenda de los amantes de Teruel. Atendamos aquí, de entrada, a los majestuosos y despiadados acordes de Montescos y Capuletos y pensemos en cuánta muerte encierra el ritmo de esta danza aristocrática en la que se puede vislumbrar la crueldad y soberbia de las dos familias. La Danza de las muchachas con lirios relata el momento en el que unas inocentes jóvenes se acercan a Julieta para despertarla el día de su boda, pero esta no se mueve y parece envuelta en un halo de muerte. La música está llena de sutilezas y tantea, como si de puntillas danzara, esa frágil línea entre la luz y las sombras, entre la inocencia de la juventud y su inevitable despertar a la tragedia. Brío y humor se mezclan en Máscaras, una festiva música llena de piruetas donde los amigos de Romeo intentan convencer a este de acudir a un baile de máscaras para que olvide su pena de amor por Rosalina. Pocos saben que, en esa misma fiesta, Romeo sustituirá ese capricho por el de Julieta. Por último, en la Muerte de Julieta se nos revela el trágico desenlace. Aquí, la intimidad de la formación violín y piano resulta muy apropiada para evocar a la joven en su lecho de muerte recordando la dulzura de su primer amor y la exaltación de su pasión, hasta poco a poco ir perdiendo sus fuerzas para, finalmente, exhalar su último suspiro. Tras la Muerte de Julieta y, para no romper ese ambiento mágico creado por la música, escucharemos las Cinco melodías op. 35, Andante, Lento ma non troppo, Animato ma non allegro, Allegretto leggero e scherzando y Andante non troppo, donde se observa la capacidad de Prokofiev para hacer poesía sonora, aquí sin palabras, sin historias, música pura.

Al comienzo de la segunda parte nos trasladamos al maravilloso universo de Wagner gracias a un arreglo para violín y piano de su gran obra maestra Tristán e Isolda. Ricas armonías se engarzan cuales piedras preciosas para desplegar todo un torbellino de emociones que nos arrastra irremediablemente y eleva hacia las estrellas. A continuación la Rapsodia in Blue de Gershwin, compuesta y estrenada en 1924 en presencia de grandes músicos de la época como Stravinsky o Rachmaninoff, constituye uno de los primeros ejemplos de fusión de estilos en la historia de la música; una perfecta simbiosis entre la música clásica y el jazz en la cual ambos géneros se favorecen formando una obra clave del siglo XX. La pieza es, en palabras del propio Gershwin, un viaje en tren, un caleidoscopio musical sobre Norteamérica en el cual plasma el ruido, la locura de sus grandes urbes y la sensación de ebullición de éstas.

Si el recital comenzaba con música de ballet, también lo será la última obra. Pero qué diferente, qué distancia entre las historias humanas y las historias de marionetas. Petrushka, una de las obras maestras de Stravinsky, es el prototipo del antihéroe, de bufón y cómico desgraciado en su patetismo. Nuestro protagonista era culturalmente conocido como un muñeco de trapo que se manejaba con la mano y representaba a un justiciero muy peculiar. En esta historia es una marioneta que, junto a la de una bella bailarina y un moro, forman el teatrito ambulante de un mago. La secreta tragedia de Petrushka es que se halla enamorado de la bailarina quien, sin embargo, sólo se interesa por el moro. Este fragmento musical es la carta de presentación de las marionetas en una feria bailando una “danza rusa”. La música es mecánica, estridente, llena de aristas y con un ritmo vertiginoso, recordándonos que no son humanos quienes la interpretan. Así pues, ya dispuestos, con renovada curiosidad sonora, suframos de amores con los romances de “Romeo y Julieta” y “Tristán e Isolda”, sintamos la belleza de todas las emociones con las Melodías de Prokoviev y bailemos al ritmo de Gershwin y “Petrushka”.

Alma Olite, violín
“Eximia violinista” (Mundo Clásico), fue el calificativo que Alma Olite recibió tras su recital en el Auditorio Nacional de Madrid en 2010 dentro del ciclo “La Generación Ascendente”, un momento especialmente importante en una carrera que cuenta ya con numerosos conciertos como solista e intérprete de música de cámara en varios países de Europa y América. Antes de entrar en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid para estudiar con Zakhar Bron y Yuri Volguin (2005-11), recibió su formación violinística bajo la dirección de Valeri Gazarian. Durante sus estudios en Madrid obtuvo el premio a la alumna más distinguida de la Cátedra de Zakhar Bron. Así mismo destacó como primer violín del Cuarteto Albéniz, distinguido
durante tres años consecutivos en las cátedras de Rainer Schmidt, Alasdair Tait y Heime Müller. Esta agrupación tuvo la oportunidad de trabajar con los miembros del Cuarteto Alban Berg, Belcea Quartet, así como Walter Levin, Menahem Pressler y Ferenc Rados, entre otros. Posteriormente, completó sus estudios con un Máster de Especialización en Interpretación Solista en la Zürcher Hochshule der Künste en Suiza, bajo la dirección de Zakhar Bron (2011-13). Ha sido premiada en diversos concursos nacionales e internacionales: Villa de Salou, Teodoro Ballo, Villa de Llanes, Juventudes Musicales, Wieniawski-Lipinski, entre otros. Durante los años 2013-14, fue miembro de la agrupación londinense Jubilee String Quartet, con el que obtuvo el 2o Premio del Concurso Karol Szymanowski en Polonia. El cuarteto realizó importantes giras de conciertos en Europa y América, con destacados recitales en el Wigmore Hall de Londres, además de ser seleccionado como “Quartet in Residence” en Aldeburgh y participar en el prestigioso MISQA (McGill International String Quartet Academy) en Canadá. Como intérprete apasionada por la música contemporánea, ha interpretado obras de Kaija Saariaho, Tomás Marco, David del Puerto, Javier Soler, Edward Nesbit…, estrenando en 2011 Nosferatu para violín solo, obra compuesta especialmente para ella por Antonio Ballestín. En la actualidad forma dúo con el pianista David Pellejer y colabora regularmente con el Ensemble Pilar Bayona, Orquesta de Cadaqués, Sinfónica de Madrid (Teatro Real), así como con los proyectos sociales “Musethica”, “Live Music Now” y “Fondation Résonnance”. Ha realizado grabaciones para la BBC, TVE, RNE y Telemadrid. Entre los años 2006 y 2010 el Gobierno de Aragón le concedió una beca de formación artística en la Residencia de Estudiantes de Madrid.
www.almaolite.com

David Pellejer, piano
Eclectico, expresivo e intuitivo son los adjetivos que mejor definen a David Pellejer como pianista y compositor, que no se conforma con tocar una unica rama del arte musical. Ganador del primer premio del concurso de camara fundacion FIDAH, David Pellejer toca habitualmente musica de camara en variados formatos y estilos, formando parte del duo de violin y piano Olite-Pellejer, del duo de jazz Chic to Chic o de la compañia MikrOpera. Asimismo, acompaña con asiduidad a cantantes tanto en recitales como en cursos de canto como por ejemplo en los IV, V y VI Cursos de Canto Elvira de Hidalgo. Formado no solo como pianista sino tambien como compositor, con reconocidos profesores de la talla de Jesus Rueda o Hector Parra, las obras de David Pellejer se han estrenado e interpretado por todo el mundo, como por ejemplo en el Auditorio de Zaragoza, en el Kuala Lumpur Performing Arts Centre de Malasia o en el Open Space Festival of New Music de Colorado. Asimismo, ha realizado estrenos de obras de compositores como Ismael Palacio, Patxi Rodriguez o Xabier Sarasa. Actualmente realiza el Master de Interpretacion Solista con Luis Fernando Perez.

Sep
22
Sab
Baño de gong con Vikrampal Singh
Sep 22 @ 7:00 pm

Vikrampal Singh es Terapeuta de sonido (Escuela de Edición Mental, 2016), profesor internacional de Kundalini Yoga y Gong (Gong Training con Don Conreaux, Tom Soltron y Mehtab Benton), Sungazing (Yoga Solar según Hira Ratan Manek), Licenciado en Ciencias Económicas y Empresariales, profesor de la Universidad Pontificia de Comillas (1990-2014), formado en Desarrollo Personal y Terapia Sistémica, Triformación Social y Antroposofía. Voluntario en unidad de Paliativos en Fundación San José (2016).

Más información www.vikreative.es

Baño de gong para conectarnos con los ciclos de la naturaleza y dar la bienvenida al otoño. La primavera nos trajo vida nueva … y siempre que llega un otoño las hojas caen y todo se prepara para el invierno. Buscamos la felicidad, pero la felicidad no puede venir de fuera, no se puede importar; la felicidad viene de adentro, la felicidad es un estado de consciencia, la felicidad no es una etapa emocional. Utilizaremos las vibraciones del gong para prepararnos a esta muerte simbólica en la que podemos dejar caer nuestro ego para más tarde volver a renacer renovados, libres, plenos, felices…

Sep
27
Jue
Concierto Sinfónico de Plantas
Sep 27 @ 8:00 pm

Venta de entradas en taquilla y en https://billeto.es/es/e/concierto-sinfonico-de-plantas-entradas-302143

Masterplants es un colectivo de músicos pionero en “música interespecies”. Es un grupo musical formado por músicos de varios países, que cocrea música con plantas, en el que la planta es un miembro más del grupo.
Para cocrear con el mundo vegetal utilizan el dispositivo de la Música de las Plantas desarrollado en Damanhur (Italia), donde forman parte de un equipo de investigación sobre el desarrollo de nuevas tecnologías en este campo.

Este dispositivo traduce las señales eléctricas de las plantas en notas musicales. http://www.musicoftheplants.com/en/#aboutus

“Al trabajar con el dispositivo de la Música de las Plantas somos testimonios de la consciencia y la inteligencia del mundo vegetal”, comenta un miembro de Masterplants.

En el siguiente link se puede escuchar parte de su primer álbum
https://store.cdbaby.com/cd/masterplants

Masterplants ha actuado en:

  • El primer festival de Música de las Plantas celebrado en Mayo de 2017 en Paris, Parc de Floral
  • The Copenhagen Health Conference, en febrero de 2016
  • National GEO Park, Dinamarca
  • Casa de la cultura de Islandia, Dinamarca
  • Zorba The Buddha, Nueva Delhi; y varios lugares de Goa
  • Festival de Música de las Plantas en Damanhur (Italia) en agosto de 2018.
Sep
29
Sab
Concierto de Paz interior
Sep 29 @ 8:00 pm – 9:00 pm

*La Paz interior el mejor regalo que podemos ofrecer al mundo que nos rodea*. No busquemos fuera lo que ya existe dentro de cada uno/a.
Todos podemos ser fuente de sabiduría para alcanzar estados internos de paz, amor y armonía. Sintonizaciones que nos permiten vivir y convivir en un estado más pleno.
La paz que se siente, en la verdad, en el silencio, en la sintonía correcta, cuando liberamos los conflictos internos y todas aquellas batallas que nos hacemos nosotros mismos. Hay que entrenar la mente para conseguir estar relajados, en calma, serenidad y todo aquello que nos produce bienestar.
La meditación, la relajación y el sonido terapéutico son métodos que ayudan con la práctica continua, a entrar con más facilidad en una consciencia más y más profundo de calma y paz interior.

Cuando logramos esta práctica diaria, la Paz interior es la respuesta al mundo exterior, donde tomaremos mejores decisiones.
Un estado de Paz que comienza desde dentro hacia fuera.
Nos gustaría muchísimo que te sumases a este concierto de *Paz interior*, para descubrir la verdad de tu corazón, donde con los Cuencos e instrumentos ancestrales y la Meditación Guiada, fluirás en este estado que todos queremos para un bien común, sintiendo *PAZ INTERIOR*

Te esperamos con el CORAZÓN
*PREM SINDHU Y MARIA GRACIA*

*PREM SINDHU*
Terapia de sonido (Cuencos Tibetanos y de cuarzo e instrumentos ancestrales)
Terapia Energética Espiritual
Canalizadora
Medium
Terapia de duelo

*MARIA GRACIA*
Maestra Reiki
Terapeuta del Cabello (Registros del Cabello)
Terapia Energética (Canalizadora)
Pintora
Escritora
Contacto: 675146156
maria.gracia.cardos@gmail.com

Gracias Gracias Gracias

RAGA & BLUES
Sep 29 @ 8:00 pm

Carlos Guerra, bansuri y voz
Flaco Barral, guitarra, chaturangui y voz
Navaraj Gurung, tabla

Raga & Blues es un acercamiento entre las formas musicales de la India y el Blues.

Carlos Guerra de origen español viaja en 1983 a India y Nepal. Comienza a estudiar Bansuri con el maestro nepalí Sri Ram Hari Gurung, estudiando la música clásica del norte de la India: Raga (base melódica) y Tala (base rítmica). En 1988 se traslada a Nueva Delhi (India) y continua sus estudios en la prestigiosa escuela Gandharva Mahavidyalaya con el maestro Sri Harsh Wardhan. En España comienza sus giras musicales en el año 1991. Ha tocado por toda España e impartido cursos de bansuri y seminarios de voz. Toca generalmente música clásica del norte de India además de contribuir con su talento en conciertos de músicas del mundo, cantos de mantras, flamenco, jazz e improvisación.

El uruguayo Jorge «Flaco» Barral es uno de los músicos más representativos del blues en español, un blues lírico, muy intimista, cercano y natural, sin florituras ni adornos forzados. Además es un estudioso de otras músicas del mundo, como los Ragas de India y el folk tradicional de Japón, aportando con su guitarra y su bien hacer un aire etérico y misterioso a esas melodías.

Navaraj Gurung, nacido en Katmandú en el seno de una familia con tradición musical, Navaraj fue educado en la tabla desde los 8 años por su padre, el reconocido tablista nepalí Sri Ram Hari Gurung. Siendo todavía estudiante Navaraj consiguió el primer premio y medalla de oro en un concurso de Tabla organizada por Radio Katmandú. Cuando obtiene el diploma Senior esta misma emisora le contrata como tablista titular para los conciertos en directo que transmiten. Desde 1993 sus conciertos internacionales le llevan en repetidas ocasiones a India, Japón y Tailandia, así como a diversos países de Europa. Este año 2015 es su octavo viaje a España. Los viajes le proporcionan contacto con nuevas formas musicales y junto a un grupo de amigos inicia un proyecto de investigación musical donde la música clásica de India se adereza con nuevos instrumentos y se fusiona respetuosamente con jazz, flamenco o caribe, sin perder su esencia.

Sep
30
Dom
Ryohei Shimoyama + Boplicity: Programa Doble de Guitarra y Voz
Sep 30 @ 6:00 pm

Ryohei Shimoyama, guitarra
+ Boplicity, Lola López, voz y Miguel Domingo, guitarra

Ryohei Shimoyama: Comenzó a tocar la guitarra a la edad de 13 años. Ryohei compone, arregla y toca música instrumental para una guitarra acústica. Su formación musical se nutre del folk y rock estadounidense de los 1970, como James Taylor, Neil Young, CS&N, entre otros. También se siente influenciado por el pianista de jazz Bill Evans y parte de su música tiene un distintivo sabor a jazz. Actualmente realiza giras por todo Japón y en el extranjero

Boplicity: Boplicity, dúo formado por Lola López (voz) y Miguel Domingo (Guitarra) presenta “Brasil”: un espectáculo dedicado a la música popular Brasileña. La riqueza de los ritmos y armonías, provenientes de diferentes fuentes y épocas, inundarán la sala dejando un aroma que mezcla ritmos de la percusión y el baile del Carnaval con armonías populares y de Jazz, sin olvidar la importancia de las letras, siempre cercanas a las emociones intensas. Siente el ambiente del Carnaval de Salvador de Bahía o las playas de Río de Janeiro, pasando por la Selva Amazónica, dónde todo Brasil tiene una relación muy estrecha con su música popular. Samba, Bossa Nova, Choro…un lienzo plagado de matices y estilos que nos evocan desde los bailes más enérgicos hasta la intimidad más sutil.

Vivir en tangos
Sep 30 @ 8:30 pm

ENTRADAS AGOTADAS

“Vivir en Tangos” es el espectáculo musical que sostiene, con andamios de talento y belleza, un imaginario o real encuentro de tres personas fusionadas, su caminata tanguera, el juego del corte y sus quebradas y la improvisación. Todo ello dibujado, en momentos inigualables por la mágica y exquisita voz de Graciela Giordano, las portentosas e infinitas manos del pianista Juan Esteban Cuacci y el fantástico y único bajo de Óscar Guida Bocha. “Vivir en tangos” es más que un espectáculo, es la perfecta geometría de la vida sobre un escenario.
Oscar S. Patán.

Oct
7
Dom
Concierto música clásica – Daniel del Pino y el Cuarteto Leonor
Oct 7 @ 6:00 pm

Daniel del Pino
Cuarteto Leonor
Bruno Vidal, violín
Delphine Caserta, violín
Jaime Huertas, viola
Álvaro Huertas, violonchelo

Programa
Antón García-Abril (nac. 1933) | Sonatina del Guadalquivir (piano solo)

• Allegro
• Lentamente
• Allegro vivace

Anton Dvorak | Cuarteto nº 12 en fa mayor, Op. 96 «Americano»

• Allegro ma non troppo
• Lento
• Molto vivace
• Finale: Vivace ma non troppo

Antón García-Abril (nac. 1933) | Alba de los Caminos, quinteto para piano y cuarteto de cuerda

• Tranquilo
• Allegro brioso
• Andante fluido
• Andante libero. Casi cadencia
• Con júbilo

Daniel del Pino es uno de los pianistas españoles de mayor relevancia internacional. Su actividad concertística le ha llevado por todo el mundo, actuando en las salas más prestigiosas de toda Europa (Salle Gaveau de Paris, Bulgaria Hall de Sofia, Ateneo G. Enescu de Bucarest, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Auditorio Nacional de Madrid, Auditori de Barcelona, Auditorio de Zaragoza, Teatro Arriaga de Bilbao, Palau de la Música de Valencia, Auditorio Manuel de Falla de Granada, Teatro Verdi de Terni), Marruecos, Túnez, todo Oriente Medio, Gabón, Brasil, México, Colombia, Guatemala, Taiwan (National Concert Hall de Taipei), Japón, Australia y Estados Unidos (Carnegie Hall de Nueva York).

Daniel del Pino nació en Beirut, Líbano en 1972. Empezó sus estudios musicales en Rabat (Marruecos), continuando su formación en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, la Universidad de Yale y la Southern Methodist University de Dallas (ambas en Estados Unidos). Sus profesores han sido Marisa Villalba, Julián López-Gimeno, Peter Frankl y Joaquín Achúcarro. Ha sido profesor de piano en el Conservatorio Profesional de Música “Jacinto Guerrero” de Toledo y en la actualidad es profesor en Musikene (Conservatorio Superior de Música del País Vasco). Sus conciertos han sido retransmitidos por Radio 2 Radio Nacional de España, RTVE, ABC Classical de Sydney, SWR 2 (Stuttgart, Alemania), Televisión Nacional de Taiwan, Televisión de Rumania, Radio Televisión de Morelia (México), NPR de Estados Unidos (Radio Nacional Pública), WGBH de Boston, WFMT de Chicago, y las radios de Libreville y Dallas.

Ha grabado los estudios de Chopin y Goyescas de Granados, para el sello Verso, el disco “Live in Villa San Lorenzo” con el contrabajista italiano Alberto Bocini (NBB Records), un monográfico sobre García-Abril junto al Cuarteto Leonor y José Luis Estellés, “No Seasons” junto a Ara Malikian y la Orquesta de Cámara Non-Profit, un disco dedicado a Kapustin con primeras grabaciones de su concierto para dos pianos y percusión, junto a Ludmil Angelov y Neopercusión, “Looking back over Chopin” (grabado y presentado en el Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid) junto al saxofonista, clarinetista y flautista Andreas Prittwitz. Más recientemente grabó el disco “W Sonatas” junto al violinista Vicente Cueva con música de Jorge Grundman.

El Cuarteto Leonor, desde su fundación en 2001 y durante los primeros años de formación, recibió el principal apoyo e impulso musical del histórico Cuarteto Melos, con el cual realizaron entre 2002 y 2005 los estudios de postgrado (especialidad de cuarteto de cuerda) en la Musikhochschule Stuttgart (Alemania), perfeccionándose posteriormente con maestros como Rainer Schmidt (Escuela Reina Sofía de Madrid) e Imre Rohmann, y asistiendo a masterclasses impartidas por miembros de cuartetos como el Artemis, Auryn, Vogler y Enesco. Actualmente su actividad artística abarca una amplia diversidad estética que va desde la interpretación del repertorio clásico y romántico hasta el acercamiento al Jazz, la colaboración con artistas como el coreógrafo costamarfileño George Momboye, o una intensa dedicación e interés por el estreno y difusión del repertorio cuartetístico español gracias al cual el conjunto ha trabajado estrechamente con compositores como Ramón Paus, Alejandro Román y Antón García Abril.

El Cuarteto Leonor ha actuado en salas y festivales de España, Francia, Alemania, Rumanía, Suiza, Austria, China, etc, y han actuado con el conjunto artistas como entre otros, Maria Kliegel, Tatjana Masurenko, David Pia, Daniel Schnyder, Peter Buck (Cuarteto Melos), Felix Renggli, Imre Rohmann, Daniel del Pino, José Luis Estellés, Antonio Ortiz, Cuarteto Enesco y el Quinteto de Viento de la Filarmónica de Berlín. Aparte de su actividad cuartetística, el grupo en ocasiones ha integrado otros ensembles como el Musica Nova Chamber Group o el Ensemble Madrid-Berlín, y recientemente ha creado un nuevo proyecto musical junto al compositor Daniel Schnyder y el trombonista David Taylor, The Dartboard Project. En 2005 realizó su debut discográfico junto al Jade Quartett grabando durante el Oberstdorfer Musiksommer un cd con los octetos de Mendelssohn y Schostakovich para el sello Animato (Alemania). En España destacan sus grabaciones para los sellos Autor y Verso con obras de cámara de Ramón Paus y Antón García Abril respectivamente, destacando la integral de los cuartetos de cuerda de Ramón Barce (Verso) editada en 2012 en un triple cd que tuvo una magnífica acogida por la crítica especializada. En 2011 Radio Nacional de España reconoció al conjunto como uno de los grupos de cámara españoles más destacados de su generación otorgándole el Premio Ojo Crítico de Música Clásica.

La actividad pedagógica del cuarteto se desarrolla en conservatorios y escuelas de Madrid y la Comunidad de Valencia, siendo sus miembros invitados con frecuencia para impartir clases también en cursos y festivales internacionales como la Musikakademie Sighisoara (Rumania), Internacional Summer Academy Hang Zhou (China), Music Campus Balchik (Bulgaria), etc, así como en diferentes conservatorios españoles (Oviedo, Canarias, Castellón, Islas Baleares…). Conjunto residente del Museo de Artes Decorativas de Madrid, fue fundador y director artístico del Festival Internacional de Música ‘Francisco Soto de Langa’ de San Esteban de Gormaz (Soria) entre 1999 y 2013. El Cuarteto Leonor rinde homenaje con su nombre a la figura del escritor Antonio Machado y a los lazos que como al poeta, unen al conjunto con la provincia de Soria.

Oct
11
Jue
Música cubana – La Bunga, Pedro Luis Ferrer y Lena Ferrer
Oct 11 @ 8:00 pm

Pedro Luis Ferrer y Lena Ferrer
Resumen y Renovación de la Tradición (RTT), ha sido en estos años el fundamental propósito estético-musical en la proyección de Pedro Luis Ferrer, al nutrirse de todas las esencias que lo han antecedido: Trova Tradicional, Canción, Guaracha, Filin, neofilin, Nueva Trova, así como del enorme arsenal festivo-bailable incesante en la isla de Cuba; y siempre desde la intención recreadora que no se limita a calcar las fórmulas pasadas y vigentes, abierto a la inagotable fuente de la música universal.

Su hija Lena Ferrer, compositora y cantante, ha estudiado y trabajado con él desde su temprana adolescencia. Además de brindar un aporte importante como acompañante en los diversos formatos orquestales que su padre ha conformado a lo largo de estos años, Lena ha desempeñado una labor protagónica, no sólo como intérprete, sino como creadora. En 2016 publicó su primer CD en solitario, «Nenga de la mariposa», con temas de su propia autoría.
Ahora se presentan a dúo, con un formato transparente, donde la guitarra, el tres, la Marímbula (primer bajo de flejes que se usó en la música de la isla) y las claves africanas, juegan un rol primordial en una música que abarca la canción trovadoresca, la changüisa, la Nenga (variante del Nengón oriental), el son montuno y el Son de güirón, desempolvando algunas maneras originarias de la música isleña.

Oct
14
Dom
Jornadas Femeninas de Sanación
Oct 14 @ 2:30 pm – 9:00 pm
Oct
19
Vie
Concierto «Memoria y Estrenos» Sonidos Venezolanos, Latinoamericanos y Españoles
Oct 19 @ 8:30 pm

Nemir, oriundo de la ciudad de San Cristóbal, Estado Táchira – Venezuela, desde niño ha estado siempre rodeado del mundo musical, específicamente del canto, ha ganado y estado entre los primeros lugares en festivales de voz en su etapa de educación secundaria como universitaria, entre los mas importantes el Festival de la Voz Universitaria UNET y el Festival Nacional de la Voz del IUTEPAL, participó como corista del Coro Universitario UNET durante sus estudios de grado, cantante de diferentes grupos musicales de la región Andina como lo son el Mariachi Jalisco y el Grupo Cosmo, haciendo giras musicales por varias regiones de Venezuela y Colombia.

Desde hace 3 años, Nemir se radicó en Madrid, participando activamente como parte del CHGM en sus puestas «Receta para Enamorarse» y «Mundo», siendo parte del grupo de solistas del grandioso coro que le abrió sus puertas desde su llegada a España, realizando gira por principales ciudades del país.

Para «Memorias y Estrenos», Nemir trae como propuestas canciones iberoamericanas, haciendo un recorrido de varios cover conocidos tanto España como en Latinoamérica, además de un par de canciones inéditas que harán su estreno el día del espectáculo, con músicos totalmente en directo y contando con invitados especiales.

Oct
21
Dom
Concierto de piano «Entre sentimientos»
Oct 21 @ 6:30 pm

Antonio Fontales, piano

Programa
Presentación del álbum «Entre Sentimientos»

1. To be late
2. Encrucijada
3. Une durée de vie
4. My princess is a mother
5. Ella y nadie
6. ¿Dónde van los sueños cuando ya no estás?
7. La luz que brilla en la cara de Jesed
8. Hortaleza 82
9. Lluvia
10. Tú y el mar
11. Walking with my son
12. Para Belén

Antonio Fontales
Nace en Madrid y estudia en el Real Conservatorio Superior de Música de la ciudad. Piano con Ignacio de la Campa y Manuel Carra y composición con Carmelo Bernaola. Y posteriormente en Valencia con Amando Blanquer y Monserrat Bellés. Además de profesor de piano y composición es licenciado en TEB-Humanidades. Artista polifacético, ha estudiado también realización audiovisual, siendo guionista y director de cuatro largometrajes de ficción. Es autor así mismo de cuatro novelas y un poemario. Y musicalmente de numerosas composiciones orquestales, de cámara y pianísticas. Fue Premio Tirant 2003 a la mejor Banda sonora original. Su música podría enmarcarse dentro del eclecticismo musical del siglo XXI y en ocasiones con tintes de estética minimalista. Actualmente presenta sus composiciones originales en salas de conciertos.

Más información: www.antoniofontales.com

«Entre sentimientos» es un álbum intimista y de estética minimalista, compuesto de pequeñas y sencillas piezas para piano. Algunas de ellas escritas hace mucho tiempo y otras más recientemente. Pero todas, flotan trasparentes a mi alrededor y permanecen impregnadas con jirones de mi vida, teñidos de vivencias y sentimientos.

Concierto de Purificación Energética
Oct 21 @ 7:00 pm – 8:00 pm

Ven a darte un baño de sonido donde el amor y las vibraciones de los cuencos tibetanos, de cuarzo, tambor chamánico, palo de lluvia y otros instrumentos ancestrales nos ayudarán a armonizar y purificar nuestros cuerpos y mentes, recuperando el equilibrio y bienestar.

Este concierto de purificación nos proporcionará un reequilibrio de nuestras frecuencias energéticas y patrones de mentales, activando y afinando nuestros chacras y desbloqueando nuestro sistema nervioso.

Al inicio del concierto realizaremos una relajación para eliminar tensiones y conectarnos con nuestro cuerpo.

Notas musicales tocadas desde el corazón…

Caricias de amor…

Vibración perfecta…

Sanación del Ser…

Alegría del Alma.

Los beneficios son múltiples:

  • Alivia la ansiedad y el estrés.
  • Equilibria y limpia los chacras y el aura.
  • Ayuda a conectar con nuestro ser interior
  • Desbloqueos emocionales y energéticos.
  • Conexión espiritual.
  • Expansión de la conciencia.

TERAPEUTAS DEL ALMA

* PREM SINDHU *

Terapia de Sonido (cuencos tibetanos y otros instrumentos ancestrales).
Terapia Energética Espiritual.
Canalizadora.
Vidente.
Medium.
Terapia de duelo.

* ANGEL DE LUZ *

Terapia de Sonido (cuencos tibetanos y otros instrumentos ancestrales)
Maestro de Reiki
Técnia Metamórfica
Canalizador.
Vidente.
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Puramente Líricas. Ópera, zarzuela, canción española, rusa, francesa, y bellas obras pianísticas
Oct 21 @ 8:30 pm

Ópera, zarzuela, canción española, rusa, francesa, y bellas obras pianísticas

Maristela Gruber y Lana Siloci, sopranos
Alexandre Alcántara, piano

Maristela Gruber, soprano lírica, nacida en Belo Horizonte, Brasil. Desde mayo de 2003 a julio de 2004 participó del elenco de “El Fantasma de la Ópera”, de Andrew Lloyd Weber, en el Teatro Lope de Vega, de Madrid. Interpretó papeles protagonistas en óperas como “Dido y Eneas”, de H. Purcell, “Don Giovanni”, de W. Mozart, “Il Guarany”, de Carlos Gomes, y en zarzuelas como “Don Manolito” de P. Sorozábal, “La Dolorosa” de J. Serrano, “El Barberillo de Lavapiés”, de F. Barbieri, “La Marchenera” y varias operetas coloniales brasileñas. Desde 2001, realiza conciertos por toda España, junto a los pianistas Lorenzo Moya y Alexandre Alcántara y el guitarrista Hugo Enrique Cagnolo. Actualmente sigue con sus giras líricas y su repertorio comprende ópera, zarzuela, música española, francesa, rusa, música erudita y folclórica americana, arias antiguas, lieder, modinhas y operetas brasileñas, y oratorios. Lleva, también, cerca de seis años y medio trabajando muy frecuentemente al lado del gran guitarrista argentino, Lucho Baigo, con quien está en pleno proceso de grabación de un CD (El 5º de su carrera) y con quien interpreta tangos, boleros, valsecitos, también la bossa brasileña, jazz y otros estilos variados de todo el mundo, entre composiciones propias, o sea, de ambos.

Lana Siloci, soprano, nacida en Moldavia, cantante lírica y jazzística, directora de coros, también con experiencia de más de 20 años como cantante de coro profesional, compositora, arreglista, pianista y profesora de lenguaje musical. Actualmente es la Directora del “Coro Galileo” y del “Coral juvenil Almayrit”, profesora de solfeo y directora de coro en la escuela de música Prolat, 2010 – 2014 profesora de piano, canto moderno y directora de coro en la Ars Escuela de Música y Danza. Desde 2007 Directora de coro y organista en la parroquia Santa María Magdalena. Desde 2012 Directora de coro de niños de primaria en el Colegio María Inmaculada. 2011-2012, directora de coro en el Colegio Ciudad de Roma, desde el 2009 profesora de canto clásico y moderno en la Academia de Música Afinarte.

Alexandre Alcántara, pianista brasileño y Doctor Cum Laude por la Universidad Autónoma de Madrid. Alexandre Alcántara comienza sus estudios musicales en su ciudad natal, obteniendo la Licenciatura en Piano por la UFPel. En 1994 es admitido en The Mannes College of Music de Nueva York, donde estudia composición con David Loeb. Ha actuado en algunas de las salas más importantes de España: Auditorio Nacional de Música de Madrid, Ateneo de Madrid, Sala de los Espejos del Gran Teatro del Liceo de Barcelona, Teatro Auditorio de Cuenca, Teatro Monumental de Madrid, Centro Cultural Conde Duque de Madrid y Palacio de la Audiencia de Soria, entre otras. Ha participado en festivales en España, Brasil, México, Portugal e Italia, además de realizar grabaciones para la Radio y Televisión Española.

Oct
27
Sab
Concierto de música flamenca y persa «Amantes Privilegiados»
Oct 27 @ 8:00 pm

Amantes Privilegiados

Concierto de música flamenca y persa
dedicado al poeta místico persa Rumi
Babak Kamgar: Tar, Kamanche y voz
Manuel Espinosa: Percusión y voz
Pedro Pedrosa: Guitarra flamenca

Baramú es un proyecto dentro de la categoría de música del mundo, concretamente mezclando el flamenco con la Música Persa, Africana e India. Baramú busca las raíces de un lenguaje auténtico que surge del encuentro, y éste es el significado de la palabra. A través de diferentes instrumentos como tar, rabab, laúd, guitarra flamenca, cajón, bendir o cante flamenco, Baramú ofrece un lenguaje lleno de colorido y variedad que evoca paisajes interiores que nos conectan a la apertura, la emoción del encuentro, la convivencia, el diálogo, el juego y la profundidad. El formato de trío reviste la música de intimidad, y de dinámicas variadas donde cada color brilla con personalidad propia a la vez que contribuye al sonido del grupo. Baramú supone una apuesta por la alegría de encontrarse con el otro y con uno mismo.

Babak Kamgar es compositor cinematográfico, productor y arreglista musical. Ha compuesto música para muchos anuncios televisivos, teatro y producciones de cine, radio, documentales y animaciones de todo el mundo. En 2008 se graduó en composición cinematográfica en el Conservatorio «Prins Claus» y en 2010 realizó un master en composición en la Escuela de Artes y Tecnología HKU, ambas en los Países Bajos. Toca dos instrumentos clásicos persas: el Tar (laúd largo) y el Setar. Siendo de origen Iraní, toma influencias de sus propias tradiciones, lo que le permite crear un sonido único y personal.

Manuel Espinosa procede de un pueblo señero en el Cante Flamenco y con gran afición al Flamenco en general, Utrera. Desde su infancia escucha este arte en los cassetes de sus padres; Bambino, Fernanda y Bernarda, Rafael del Estad, tonadilleras y grupos de sevillanas. Ya de joven, recibe clases con el maestro Rafael Jiménez «El Falo», quien le motivará a que estudie y se dedique a cantar Flamenco. A nivel profesional ha actuado en diversos escenarios y países como Holanda, Cuba, Ecuador, Chile y España. También es percusionista, siendo el Cajón su instrumento principal.

Pedro Pedrosa es musicólogo y guitarrista. Actualmente acaba de graduarse en Naad Yoga en la India con el Profesor Surinder. Se dedica a la docencia de la música en educación secundaria. Como guitarrista ha bebido de diversas fuentes como la guitarra clásica, el jazz o el flamenco. Se licenció en Historia y Ciencias de la música en la universidad de Salamanca y acaba de publicar su primer disco en Francia y España con el músico Joris Feuillatre donde realiza una improvisación musical meditativa con ecos africanos, brasileños, flamencos e indios. Colabora asiduamente con el cantautor cordobés Chico Herrera.

Más información: www.baramu.es

Oct
28
Dom
Concierto Meditativo «Viaje sonoro de Luz y Armonía»
Oct 28 @ 6:30 pm

El agua constituye más del 70% de nuestro organismo; y será el medio a través del cual la vibración se transmite a las células.

Los beneficios que aporta una sesión con los Cuencos de Cuarzo son de: armonización, relajación física y mental, paz interior. Mejora de dolencias y de estados emocionales.

El sonido de los Cuencos afecta de manera global al individuo:

► Equilibrando los centro energéticos o chacras.
► Limpian y armonizan el aura
► La repercusión que tiene la vibración en la columna sirve como vehículo de resonancia y se extiende a través del sistema nervioso, células, tejidos, órganos.
► La vibración producida por los cuencos tiene la capacidad de disolver bloqueos en el cuerpo físico y sutil y también facilita en casos de contracturas musculares, roturas y otros problemas óseos.
► Producen estados de relajación, meditación y sanación en los que la persona que recibe estas sesiones se beneficia, armonizando y equilibrando aportándole las frecuencias sonoras que son necesarias.

El concierto de cuencos de cuarzo y diapasones
Desde tiempos antiguos se ha utilizado el sonido con fines terapéuticos, reconociendo al propio organismo como una orquesta perfecta, en la que todos los órganos desempeñan su función como músicos. Cuando hay un desequilibrio, y uno de los músicos «desentona» la Sinfonía Armónica que debiera emitir el cuerpo se convierte en «ruido».

Gracias al Sonido transformador de los Cuencos de Cuarzo y los Diapasones Pitagóricos, podemos devolver al organismo la información perdida y recordar a cada Sistema la nota que deben tocar «afinándose» igual que un bello Instrumento Musical.

Participar en un concierto o sesión sonora con Cuencos de Cuarzo tocados con el conocimiento preciso, le permite a tu consciencia elevarse y expandirse en un tiempo mínimo, lo que a un ritmo cotidiano de elevación llevaría mucho tiempo, por eso es tan importante su aparición en estos momentos cruciales en la historia de la humanidad.

Te recomiendo: Que lleves ropa cómoda. Beber agua antes y después del Concierto para que el cuerpo se vuelva más conductor de la energía sanadora del sonido.

El poder de limpieza del sonido en su inicio, sobre todo con los Cuencos de Cuarzo, arrastrará cualquier bloqueo, emoción, etc. a través del sistema linfático, riñón, sudor, de ahí la importancia del agua después del Concierto.

Concierto de Música Clásica de India
Oct 28 @ 7:00 pm

Yvan Trunzler, maestro de canto dhrupad
Jorge Lozano, pakhawaj
Carlos Guerra, bansuri
Tokuko Nakamura, tanpura

La música clásica de India tiene su base en el canto. La voz surge cuando se canta OM. Todos los instrumentos de India tienen su origen en el canto. Om nos abre el corazón y nos conecta con la energía universal. Los Ragas son melodías, que crean estados anímicos y tienen una progresión melódico-rítmica constante, desde un comienzo de búsqueda interior hasta un clímax final. La música de Ragas es por tanto tradicional y también clásica. Raga comienza con una introducción (Alaap), seguida por una frecuencia rítmica (Jod) y un final (Jhala) del Bansuri. Después se interpreta una composición con el acompañamiento del Tabla y se improvisan melodías y ritmos de modo continuo, basándose en la composición. Hay solos de ambos instrumentos y se termina tocando muy rápido hasta el clímax final.

Yvan Trunzler lleva 37 años en el camino del Dhrupad. De 1978 a 1979, Yvan se asentó en Benarés (India) para comenzar su aprendizaje con Sri Ritwick Sanyal, profesor de la Universidad y uno de los principales eruditos y promotores del Dhrupad a nivel internacional. En 1981, tras haber conocido a sus maestros, los legendarios Ustad Fariduddin (voval) y Mohiuddin Dagar (Rudra Vina) se unió a ellos en Bhopal en su Centro de Estudios de Dhrupad en 1986. Entre 1990 y 1995, tras la muerte de Ustad Zia Mohiuddin Dagar, vuelve a vivir en Delhi y Bhopal, adquiriendo poco a poco el nivel profesional, uno de los pocos occidentales que lo han conseguido.

Carlos Guerra, bansuri, de origen español, viaja en 1983 a India y Nepal. Comienza a estudiar Bansuri con el maestro nepalí Sri Ram Hari Gurung, estudiando la música clásica del norte de la India: Raga (base melódica) y Tala (base rítmica). En 1988 se traslada a Nueva Delhi (India) y continua sus estudios en la prestigiosa escuela Gandharva Mahavidyalaya con el maestro Sri Harsh Wardhan. En España comienza sus giras musicales en el año 1991. Ha tocado por toda España e impartido cursos de bansuri y seminarios de voz. Toca generalmente música clásica del norte de India además de contribuir con su talento en conciertos de músicas del mundo, cantos de mantras, flamenco, jazz e improvisación.

Jorge Lozano, pakhawaj, nacido en Madrid, comienza su actividad musical con la guitarra en el área del rock, el jazz y el flamenco, mientras aprende el cajón y otras percusiones de forma autodidacta. Continúa con la percusión clásica en Neopercusión, donde descubre la percusión india. Aprende la percusión karnática en la Ganesh Tala Vadya Vidialaya de Chennai (Sur de La India) con la familia Vinayakram, con quienes colabora como guitarrista y percusionista en diversos espectáculos y grabaciones. En Benarés, Norte de La India, aprende la percusión indostaní con el maestro de tabla Issuar Lal Mishra y el maestro de Pakhawaj, Pandit Sri Kant Mishra.

Tokuko Nakamura, tanpura, de origen japonés, aprende canto clásico de India desde hace unos veinte años con sus maestros Sri Ram Hari Gurung en Nepal y Sri I.S. Bawra en India. Además lleva varios años haciendo un trabajo de investigación con la música folklórica tradicional de su país (Minyo) y melodías populares Japonesas, fusionándolas con la Música de India y también con otros géneros musicales, Flamenco, Blues. Imparte también clases y cursos de voz en Japón y en España.

Oct
30
Mar
«IMÁGENES I» Producción de Teresina Jordà
Oct 30 @ 7:30 pm

PRODUCCIÓN DE TERESINA JORDÀ, concertista de piano, autora-intérprete
Martes 30 de octubre de 2018 a las 19.30 h
Entrada 10 euros

INAUGURACIÓN DE LA EXPOSICIÓN
“PERSONAS Y PERSONAJES”
Colección de dibujos del cineasta JOAN SERRA i OLLER

Presentación del acto:
JULIA SÁEZ ANGULO
Académica, escritora, crítica de arte

Disertación de:
JOSEP ÀNGEL COMES
Presidente de los ARMATS DE LLEIDA

I
RECITAL DE PIANO, CANTO Y MÚSICA DE CÁMARA
a cargo de TERESINA JORDÀ
COLABORADORES:
PABLO RUEDA
piano
DAVID JORDÀ
piano
CARLOS ENRIQUE VELASCO
piano
ROMÁN FERNÁNDEZ ARANDA
guitarra

II
RECITAL DE:
DENIS CHEVALIER
compositor–cantante

MARTA MESALLES
piano

Música barroca
 y canciones populares europeas

Oct
31
Mie
Música fusión latinoamericana «Yo Mestizo»
Oct 31 @ 8:30 pm
Música fusión latinoamericana
Yo Mestizo

Alma Moreno, cantante
Edison Ramos, guitarra e instrumentos folclóricos
Orozco Marco Tulio, piano

Programa
Primera parte
1. Canción con Todos | ARG | Armando Tejada Gómez, César Isella
2. Vasija De Barr | ECU | Gonzalo Benitez, Luis Alberto Valencia
3. Mosaico de Yumbos | ECU | D.R.A.
4. Atahualpa | ECU |Carlos Bonilla Chávez
5. Vírgenes del Sol | PER | Jorge Bravo de Rueda
6. Casamiento de Indios | ECU | Gonzalo Vera Santos
7. Adiós Pueblo de Ayacucho | PER | Manuel Acosta Ojeda
8. Chola Cuencana | ECU | Ricardo Darquea, Rafael M. Carpio

Segunda parte
1. América, América | ESP | José Luis Armenteros, Pablo Herrero
2. El Cóndor Pasa | PER | Daniel Alomías Robles
3. Romance De Mi Destino | ECU | Abel Romeo Castillo
4. José Antonio | PER | Chabuca Granda
5. Huapango Torero | MEX | Tomás Méndez Sosa
6. Malagueña Salerosa | MEX | Elpidio Ramírez, Pedro Galindo G.
7. Popurrí de Cumbias | COL | D.R.A.
8. Algo Más…

La cantante ecuatoriana Alma Moreno es una intérprete de música tradicional latinoamericana; desde hace más de una década, con su esposo, el guitarrista y flautista Edison Ramos, vienen realizando un trabajo musical orientado a mantener vigentes los ritmos propios del Ecuador y también de todo el continente latinoamericano.

El 31 de octubre del presente año se conmemorará una vez más el descubrimiento del Continente Americano. Para esta ocasión, la cantante Alma Moreno presentará en Madrid el concierto denominado “Yo Mestizo”, cuya temática gira en torno a la fusión cultural (hispano – americana) producida y desarrollada durante siglos a raíz de este acontecimiento. Desde esta perspectiva, el repertorio está conformado por temas que de una manera u otra ilustran este mestizaje: Por ejemplo, algunos textos son cantados en español para luego mezclarse con el quecha, lengua que aún predomina en muchos lugares del callejón andino; otros contenidos musicales nos enseñan costumbres y vivencias fruto de este sincretismo cultural.